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Historia de arte de la prehistoria a hoy

LA HISTORIA DEL ARTE TRES DIMENSIONES DE ANÁLISIS DEL ARTE: * Sociología del Arte: El arte es analizado como representación de un momento histórico, como reflejo de una sociedad determinada. Surge de la cuestión de la Superestructura que plantea el marxismo. * Interpretación psicológica: Se relaciona con el descubrimiento del inconciente, se busca lo que no está explicado en la obra, la codificación de símbolos. Lo que el artista no dice, se conecta la obra con la vida del autor y de la sociedad. * Semiología: Busca algo que abarque todo y considera que esto es el lenguaje. El arte
19/01/09 15:28 hs
1 Historia de arte de la prehistoria a hoy
LA HISTORIA DEL ARTE


TRES DIMENSIONES DE ANÁLISIS DEL ARTE:
* Sociología del Arte:
El arte es analizado como representación de un momento histórico, como reflejo de una sociedad determinada.
Surge de la cuestión de la Superestructura que plantea el marxismo.

* Interpretación psicológica:
Se relaciona con el descubrimiento del inconciente, se busca lo que no está explicado en la obra, la codificación de símbolos. Lo que el artista no dice, se conecta la obra con la vida del autor y de la sociedad.

* Semiología:
Busca algo que abarque todo y considera que esto es el lenguaje. El arte es visto como un lenguaje y las imágenes como signos. Se desarrolla la teoría de los signos (significado - significante) y el arte busca modelos que tengan el signo de la época. Hay que conocer el código para desentrañar el significado.



ETAPAS CRONOLÓGICO-TEMPORALES:

* PREHISTORIA:
2 formas de hacer arte: a) reproducir lo más fielmente
b) conceptualizar: pintar lo que se sabe, lo que se conoce.
Arte como representación simbólica, mostrar lo que se ve

* EGIPTO:
Puente entre oriente y occidente, arte faraónico, base del arte occidental.

* GRIEGOS:
Agregan elementos al arte egipcio. Se aplica el pensamiento científico y el uso de la razón en el arte. En el arte occidental comienza a dominar el arte eminentemente visual.
Aparece la cuestión de cómo darle volumen al plano, en pintura se representa en 2 dimensiones.

* EDAD MEDIA:
Durante 1000 años el arte: 1) es el que produce la soc. feudal
2) arte urbano


* PERÍODO DE PRIMACÍA ITALIANA:
Renacimiento, manierismo, barroco, etc.

* PERÍODO FRANCES:
Arte rococó

* POST-REVOLUCION INDUSTRIAL:
Romanticismo, neoclasicismo.

* SIGLO XX:
Desaparece el arte como forma de representar la realidad, aparece la ABSTRACCIÓN.



Arte prehistórico o Rupestre:

Características:
El arte rupestre surge durante el paleolítico superior.
En este período la configuración del hombre actual está acabada, cambian el clima, aparecen los arcos y flechas, el hombre se inicia en el arte, la prueba de esto son los que están en la cueva de Altamira y Sascaux.
En estas cuevas el arte es visual, se trata de reproducir al objeto tal cual es, hay bisontes, caballos y manos.
Los colores eran el ocre y el negro.
Es el primer momento en que aparece la figura humana en el arte.

En el arte paleolítico bidimensional (pinturas y grabados) clasificamos dos grandes grupos temáticos: la inmensa mayoría de los ideomorfos y los zoomorfos. Los ideomorfos son representados sobre todo mediante líneas y puntos. Las líneas pueden ser desde simples trazos aislados hasta conjuntos complejos o geométricos. La forma puede ser recta u ondulada. También los puntos pueden formar grandes agrupaciones. El grupo de los zoomorfos representa básicamente grandes mamíferos como caballos salvajes, ciervos, uros, bisontes, íbices y con menor frecuencia pisciformes. Muchas de las especies del bestiario artístico ya están extintas.

Las pinturas prehistóricas están realizadas con colorantes naturales pulverizados y mezclados con aglutinantes como p. ej. grasa animal. Los pigmentos rojos y amarillos usados estaban compuestos por minerales de alto contenido en óxidos de hierro (hematites y ocre) y el pigmento negro fundamentalmente por carbón vegetal. Los artistas ejecutaron las figuras mediante distintas técnicas, destacando el trazo lineal continuo y la tinta plana. Con frecuencia aprovecharon resaltes de la roca u otras formaciones naturales para acentuar o representar determinadas figuras. Mientras la pintura se aplicaba con el dedo, con un pincel o soplándola sobre la pared por medio de huesos vaciados, los grabados se efectuaban a base de buril. También existieron otras técnicas como por ejemplo digitaciones sobre soportes blandos como la arcilla.


EGIPTO:

El Nilo riega una gran zona desértica, fertiliza valles y los hace propicios para la vida.
Su población viene desde el neolítico, estaban divididos en clases y dividían el trabajo.
Alto Egipto: en el valle, en el sur, centro político más importante es Tebas.
Bajo Egipto: en el delta, en el norte, centro político, Menfis.
Ambos de unifican en 3 ocasiones.

IMPERIO ANTIGUO:
El faraón representa a la nobleza sacerdotal y guerrera (clases altas)
El “estado” controla las cosechas, recauda y distribuye, tiene mucho poder, asegura la supervivencia.
Es el período de las grandes obras públicas, propiciada por el excedente de la mano de obra.
El aparato religioso gira en torno a los centros de poder, las obras arquitectónicas en formas de tumbas y complejos urbanísticos.
El animismo en las cosas daba cuentas de la magia que se pensaba en la sociedad.
Con la unificación del imperio, se dinamiza el comercio, se comienzan a traer piedras y los elementos que se usarán en arquitectura y obras de arte y tumbas.
Aparece la escritura jeroglífica e ideográfica (tratan de representar una idea).
Este período termina con la decadencia, guerras civiles, levantamientos, todo esto se generó por las malas cosechas.

1º PERIODO INTERMEDIO:
Fue para el 2000 ac., se caracteriza por las invasiones fronterizas, caos y guerra.
Son los príncipes de Tebas los que llamarán a la nueva unificación del imperio.

IMPERIO MEDIO:
2000 a 1750 ac. Con los faraones se abre una nueva época de apogeo, que se complementan con la irrigación de los suelos desérticos.
Un gran avance cultural y científico, en matemática y medicina.
El imperio medio termina con la invasión de los HICSOS y con ellos los judíos.
Los Hicsos no se mantienen en el poder por mucho tiempo pero se aporta muchas cosas como el caballo para la guerra y el hierro y el carro de guerra.
La llegada de los Hicsos a Egipto provocan un gran movimiento de pueblos (medos, persas y casitas) que le dan origen al pueblo que se convertirá en el principal enemigo de los egipcios: el IMPERIO HITITA.
Entre ellos hubo relaciones, se conserva aún el tratado firmado por ambos gobernantes donde la hija de uno de ellos se casó con el otro.

IMPERIO NUEVO:
Surge luego de la invasión de los hicsos.
Gobierna la 18º dinastía.
Los hicsos habían destruido todo lo arquitectónico, entonces ahora los egipcios comienzan a reconstruir todo de nuevo con características de este período.
Reforma religiosa de Amenofis IV, se cambian las características del arte, deja de ser tan canónico y se hace mas realista.
Luego del imperio nuevo llega el período de decadencia final del imperio, serán dominados por extranjeros, hasta la llegada de los romanos. Cleopatra es la última faraona.

El arte egipcio tiene unidad y coherencia, está dirigido al faraón, tanto el arte como la cultura egipcia son cerradas, no recibe influencias.
Está sujeta a estrictas reglas, respeta los cánones y tiene algunos períodos donde se relajan.
El artista no es valorado como tal, es como un artesano que pasa su oficio de generación en generación, son artistas anónimos.
En la arquitectura se destacan la funeraria y palaciega, destinada a la corte y al faraón.
Las pirámides de Giza son tumbas reales, forman parte de complejos urbanísticos, tienen avenidas, etc.
La pirámide de Zoser, escalonada, luego de ésta le da paso a la construcción de las pirámides de paredes fijas. Ej.: Keops, Kefren y Micerino.
A fines del imperio antiguo empiezan a decaer.
En el imperio nuevo y medio, las pirámides son reemplazadas por templos funerarios.
A la muerte del faraón se trataban de conservar su cuerpo para que el faraón los proteja.
El templo egipcio clásico tiene un solo eje de simetría, una avenida de acceso que termina en la entrada propiamente dicha, obelisco, un gran patio encolumnado, hasta acá llega el pueblo en sus visitas, estaban las salas propias de los sacerdotes, otras de los faraones y otras para los rituales.
Los obeliscos son tallados en un solo bloque de piedra, son elementos de homenaje.
En las viviendas comunes eran de ladrillo de adobe.
Del imperio medio se conservan pocos templos ya que con la invasión de los Hicsos la mayoría de aquellos fueron destruidos. Y algunos son reconstruidos en el imperio nuevo.
Durante el imperio nuevo las obras más importantes en arquitectura son las palaciegas y las religiosas. Templos y muchos palacios para los curas, nobles, etc.
Esculturas:
Son de carácter religioso. Representan al faraón en 2 posturas: 1- parado y caminando y 2- sentado en un trono rodeado de muchos símbolos de poder.
Las mujeres eran representadas en un color dorado o rosado y los hombres color ocre.
Las esculturas eran de carácter decorativo en el arte y accesorio.

Amenofis IV (Akematón):
Quiere sacar el poder de la clase sacerdotal, impone un nuevo culto, a Atón en dios solar, deja de lado la religión politeísta y Atón pasa a ser el único dios...
En el arte se rompen todos los cánones, se edifica la cuidad a orillas del Nilo con una gran avenida principal.
Los artistas son mas libres, no están tan sujetos al canon, predomina el realismo, es una época muy breve, pero que deja su marca eterna.
A la muerte de Akenatón, la capital vuelve a Tebas y la religión retoma su politeísmo.

El arte egipcio estaba al estado, genera influencias en otros pueblos como el arte griego, de tipo canónico, es un arte de conceptos, la escritura es un hecho plástico (está dentro de la obra).
Pintura:
Es canónica, destinado a las clases mas poderosas, es un arte visual, porque el ojo ve un torso de cotado, un ojo de frente (postura imposible para hacer), arte conceptual, se usa mucho la geometría, incorpora a la escritura en la obra y la constituye en un hecho plástico.
Hay un uso simbólico del color: ejemplo: rojo- representa el desierto y todo lo que vive en él, amarillo- el sol, la luz solar, azul- el agua y las cosas que viven en ella, negro- símbolo de fertilidad.

El principio de frontalidad (la gioconda es una evolución del principio de frontalidad, el ojo siempre te está mirando) en el arte es una herencia de los egipcios para todo el occidente, las figuras se representan de frente, las figuras tienen un tamaño determinado por su importancia, se busca representar el espacio, la pintura es subordinada a la arquitectura.
El arte egipcio es armónico y tiene simetría, lo heredan los griegos y lo llevan a su máxima expresión, es un arte totalmente estilizado, no hay gente vieja ni gorda ni flacos.
Pasos para pintar: 1 revocaban la pared, 2 se hacían las líneas, 3 bocetos, 4 escritura, 5 se pone el color.
Los artistas en Egipto no son personajes importantes, sino artesanos, anónimos.
El rasgo mas característico del arte es su racionalismo.

Imágenes:
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GRECIA:


-2000, primera oleada indoeuropea, que dura 600 años (Aqueos, jonios, beocios).
Se crea la sociedad cretense.
-1400 a – 1200, segunda oleada indoeuropea, es la irrupción doria, éstos entran mas bruscamente que los aqueos, traen el hiero y el caballo y son muy violentos.
Muchos pueblos aqueos huyen al Asia menor, éstos dan origen a la primera colonización griega. Se ponen en contacto Egipto y Asiria, es acá donde se desarrollan las formas de pensamiento y ciencia.

Grecia continental:
Es la sociedad invadida por los dorios, con éstos se inaugura la sociedad oscura (el oikos), es en estas épocas donde se desarrolla la polis (desde XII al VIII)

Período Arcaico: (VIII a VI)
La polis con aristocracia ganadera, aparece el concepto de Demos (pueblo), eran descendientes de antepasados comunes. Todo lo que no pertenece al pueblo es extranjero, éstos no tenían derechos, éste período se conoce por medio de la Odisea y la Ilíada.

La segunda colonización griega:
Los que no pertenecen al demos se van a otros lados, se instalaran en otras zonas del mediterráneo.
Con el surgimiento de estas polis hay una transformación social, surgen nuevas clases sociales que pugnan por el poder. Se empieza a abrir el camino de la democracia con Dracón, Solón, Clístenes.

Esparta considera que su evolución esta completa y no llega a la democracia.
Esparta: los iguales.
Los ilotas son siervos del estado.
Periecos son los pequeños artesanos.
Los gobernantes basan su superioridad en su poder militar. Desde los 7 años los niños los mandaban a academias militares, de acá salen los Hoplitas.

Atenas:
Democracia política. Mundo de clanes, desarmado por Clístenes que las desarma con reformas legales.
Separa los clanes del demos, según la ocupación territorial, todos participan de las asambleas (los ciudadanos).
Siglo VII se introduce el dios Dionisio y con él la cuestión del mas allá luego de la muerte.
La creación de santuarios es importantes porque a su alrededor se desarrollan centros urbanos.
En las estatuas no se le da mucha importancia a la mujer, los retratados lo son desnudos, por la perfección, los grandes ganadores de los juegos olímpicos se les hacía una estatua para inmortalizarlo.
En el teatro, desde Pisistrato, el estado empieza a hacer concursos para las tragedias. Los autores presentaban varias obras y el público elegía por los aplausos. Con la poesía y comedia era igual. Los grandes autores son Esquilo, Sófocles y Eurípides.

Arquitectura micénica:
Es ciclopedea, de enormes piedras. Fortalezas, ciudadelas, por ejemplo la ciudad de mecenas, con murallas y un ingreso, la puerta de los leones. Tiene un dintel (como el travesaño de un arco, en la puerta) de 20 toneladas, dos leones.
Fuera de las murallas se encontraron tumbas (de Agamenón y Climenestra).

Período arcaico: -VIII a – VI
Las polis ya están formadas, tienen costumbres y creencias comunes, se organizan de forma tribal, por la descendencia común de un antepasado y una aristocracia guerrera.

La segunda oleada colonizadora abre el camino al Período Antiguo.
Los griegos llegan al mar negro, al norte de África.
El gran aporte a la arquitectura llega de la mano de los principios pitagóricos (existe una relación entre los elementos, tomando como unidad de medida el diámetro medio de una columna de cualquier tamaño y estilo, esto se llama Módulo). Ejemplo: el módulo dórico repetido 5 veces da la altura de la columna.
Según estas relaciones matemáticas, todas las partes guardan relación entre si, y con el todo, con esto se genera armonía, simetría y esto da como resultado la belleza.
Desde acá se va perfilando una arquitectura científica.
En los santuarios hay juegos de luz y sombra, de lleno y vacío, una gradación de la luz.

Las 3 artes griegas son la filosofía (busca la perfección del espíritu), la arquitectura (es la expresión del mundo físico: la pintura y la escultura son parte de la arq.) y el teatro (se usa para educar al pueblo).
La Armonía y la Simetría expresan serenidad.

La escultura arcaica:
Era complementaria de la arquitectura, evoluciona desde las estatuas-troncos a las figuras completas.
Había de 2 tipos: la primera eran mujeres, jóvenes doncellas, vestidas y los segundos, son los “Apolos”, jóvenes atletas desnudos. Ambas formas de representación eran rígidas, sin expresión ni movimiento. No son representaciones, son tipologías.
Mirón y Policleto son los mas grandes exponentes de esta época. El primero crea el discóbolo y con él la sensación de movimiento y el segundo marca las reglas de la proporción de la belleza del cuerpo.

Período clásico:
Fidias es el encargado de tallar para el Partenón. Este mide 69m x 30m x 30m de largo, hay cuerpos tallados en relieve, hay figuras alrededor del santuario. Se muestran pasajes de la guerra a los persas, la vida de Palas Atenea, un gran frizo rodea al edificio.

Desde la época clásica el uso de la matemática científica en arquitectura se hizo mas común, se hicieron estudios de cómo ve el ojo, de que maneras y a que distancia el ojo distorsiona lo que ve (por eso hacían las columnas del Partenón mas anchas en el medio para que desde lo lejos parezcan derechas).
Al Partenón la gente iba de procesión, subían a la acrópolis y llegaban al templo. Para que desde la distancia y desde cerca se vea perfecta se hicieron estudios sobre la óptica, para “arreglar” lo que el ojo deforma.

El arte es público, cívico, dedicado a la exaltación de la patria, los dioses y los valores, evoluciona hasta ser visual (una marca que dominará occidente hasta las vanguardias del XX), se busca una representación del espacio ilusoria (como ve el ojo).

El legado griego:
La técnica y la cientificidad en los cánones del arte.

Imágenes:
Puerta de los leones Micenas
2BacArtT03Imag micenas02
Mascara de Agamenon:
2BacArtT03Imag mascaraagamenon
Partenon vista frontal:
2BacArtT03Imag acropolis04
Templo de Zeus olimpico:
2BacArtT03Imag olimpeion01
Templo de Hera:
2BacArtT03Imag temploherapaest
Templo de Poseidon:
2BacArtT03Imag temploneptunopaest
Esculturas:
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Pintura en cerámica:
2BacArtT03Imag ceram maritimo
2BacArtT03Imag ceram kamares
2BacArtT03Imag ceram dypilon
2BacArtT03Imag ceramicafn
2BacArtT03Imag ceram policromada

ROMA:

"La cautiva Grecia cautivó a Roma". Roma, que construyó el mayor imperio del mundo antiguo, difundió los logros intelectuales de Grecia por toda Europa. La civilización romana compartió muchas de las ideas básicas que fueron punto de partida de los estilos helénico y helenístico.
Pero, en tanto que el romano difería del griego por sus costumbres, su temperamento, su religión y su moral. su originalidad radicó en el franco utilitarismo que dieron a las artes, como medio de deleite del pueblo y en la solución de problemas prácticos. Es decir, optimizaron la utilidad del arte sin sacrificar la claridad clásica de la forma.

Los romanos aceptaron los valores consagrados y probados del arte griego. Coleccionaban estatuas y pinturas antiguas o bienMosaico mostrando escenas de danza (detalle) encargaban nuevas obras hechas en el estilo antiguo. Pero pusieron al arte al servicio del Estado, lo que se aprecia en la monumentalidad de las estatuas de sus emperadores, en la grandiosidad de los arcos triunfales y en las columnas conmemorativas de las hazañas imperiales. El ''Joven preparando perfumes''Estado también cuidó bien del arte, especialmente de la arquitectura y de las obras pública. Los emperadores romanos hicieron de su capital una ciudad de monumentos. Augusto restauró más de 80 templos, Vespasiano construyó el Coliseo, Trajano erigió una inmensa columna como monumento de grandeza.

En arquitectura, esta civilizacion se apropió de las columnas dóricas, jónicas y corintias de Grecia pero su mayor interés consistióBusto de Cicerón no tanto en imitar la perfección de las proporciones griegas, sino en lograr grandes obras de ingeniería. Así, hicieron viaductos, acueductos, puentes, carreteras y gigantescas cúpulas que se construyeron para durar eternamente.

Los edificios destinados a la diversión alcanzan en Roma una gran importancia. El teatro es similar al griego pero el romano tiene la orquesta y el graderío de forma semicircular, al tiempo que el escenario muestra importantes edificaciones, generalmente con columnas. El anfiteatro se empleaba para las luchas de gladiadores. El edificio tiene planta elíptica que está rodeada por todos los lados de graderíos mientras que bajo la arena se distribuían las salas dedicadas a las fieras, entrenamiento de los luchadores, etc. El Coliseo de Roma es el anfiteatro por excelencia. El circo se utilizaba para las carreras de caballos; tenía planta estrecha y alargada y estaba rodeado de gradas. La pista se establecía alrededor de la spina.
Los monumentos conmemorativos tendrán un especial desarrollo en Roma debido a los deseos de los militares de representar sus triunfos. Los arcos de triunfo y las columnas serán los más utilizados. También conviene destacar en el apartado arquitectónico la construcción de calzadas, puentes, acueductos, puertas, murallas o foros, una muestra más del espíritu práctico que caracterizaba al pueblo romano
En la escultura destacan dos campos: el retrato y el relieve histórico. Ambos son una muestra más del carácter práctico de los romanos, deseosos de conmemorar su hazañas y sus triunfos. El retrato será el género favorito, relacionado con la práctica funeraria de realizar mascarillas de cera para guardarlas en los atrios de las casas. Esto aportó realismo y personalidad a la retratística romana. Podemos establecer dos periodos: la época republicana y el Imperio, caracterizados por la austeridad el primero y una mayor profusión de detalles en el segundo. Los peinados que portan los retratados nos sirven para fechar a los personajes, especialmente en el caso de las mujeres. Con Adriano la mayor parte de los retratos masculinos tienen barba. El relieve histórico recoge los triunfos militares de los principales emperadores y generales como se observan en las columnas de Trajano y Adriano o los arcos triunfales. Sin embargo, uno de los relieves más importantes no exalta las gestas militares sino la paz. Se trata de los relieves del Ara Pacis que Augusto ordenó levantar para celebrar la paz que se había implantado en Roma tras el periodo de las Guerras Civiles.
La pintura romana tuvo una amplia difusión según consta en las fuentes literarias. Se trata de una continuación de la griega a la que se incorporaron elementos propios como se ha podido constatar en las ruinas de Pompeya y Herculano. Se han podido diferenciar cuatro estilos: "incrustaciones" -semejante al mármol, dividiéndose el espacio en tres grandes franjas horizontales dominadas por el amarillo y el rojo-, "arquitectónico" -se pintan columnas, entablamentos y otros elementos constructivos-, "egiptizante" -inspirándose en el arte egipcio, abundando los motivos ornamentales- y "fantástico" -combina los colores amarillo, rojo, negro y azul celeste, obteniendo un resultado de fantasía-. Las "Bodas Aldobrandini" y los "Misterios dionisíacos" se han convertido en las obra pictóricas más importantes de Roma.

Con el ocaso del imperio sobrevivió el clasicismo en el arte. Este siguió su evolución durante el medievo (por ejemplo en el arco gótico), en el mundo bizantino y a través del arte de la cristiandad. La preeminencia del arte romano se mantuvo hasta el siglo XVIII, pues todos los renacimientos clasicistas hasta entonces fueron, de hecho, renacimientos del estilo romano.

Imágenes:

Coliseo Flavio:
2BacArtT04Imag coliseoflavio01
Circo Máximo:
2BacArtT04Imag circomaximo01
Basilica de Majencio:
2BacArtT04Imag basilicamajencio01
Mercado de Trajano:
2BacArtT04Imag mercadotrajano01
Arco de Tito:
2BacArtT04Imag arcotito01
Arco de Constantino:
2BacArtT04Imag arcoconstantino01
Mausoleo de Augusto:
2BacArtT04Imag mausoleoaugusto01
Acueducto de los milagros de Merida:
2BacArtT04Imag acueductomilagrosmerida01

ARTE BIZANTINO:

Los motivos religiosos permeaban todo el arte en Bizancio.
Estaban dentro de los templos en las paredes o como objeto específico del culto a través de estatuas o también como pequeños y portátiles objetos de veneración a los que se les conoce con el nombre de Iconos.

En general, existen tres tipos de imágenes cristianas: la imagen de culto, la imagen descriptivo - narrativa y la imagen de devoción.
Las imágenes de culto son aquellas a través de las cuales la divinidad se personaliza en el mundo, son únicas, pertenecen al ámbito de las apariciones y los milagros y ocupan lugares preponderantes en los santuarios que generalmente están dedicados a estas imágenes.
Las descriptivo - narrativas, transmiten un mensaje relacionado con la doctrina, con la historia sagrada, con la teología y con los dogmas de la fe cristiana.
Las de devoción representan también a la divinidad pero generalmente son reproducciones de las imágenes de culto o de personajes asociados a la devoción católica como santos, diferentes advocaciones de la virgen o las personas de la santísima trinidad y pertenecen al ámbito personal.
El arte de Bizancio que se conserva, pertenece en su mayoría a las imágenes descriptivo - narrativas y a las imágenes de devoción, aunque también se conservan imágenes de emperadores.
Es del arte Bizantino de donde surgen modelos para toda la Edad Media.
Entre otras cosas, se representa en Bizancio por primera vez a la corte angelical.
El arte Bizantino dentro de los templos, fue realmente una teología en imagen, ya fuera en pintura o en mosaico y se convirtió en un maravilloso espectáculo para impresionar el alma.
La imagen Bizantina fue la prolongación del dogma, y el desarrollo de la doctrina en el arte Bizantino tenía carácter de libro sagrado de amena lectura.
Se ha dado por categorizar al arte Bizantino en tres "edades de oro", independientes de la epoca "iconoclasta" del siglo VIII en la que un grupos de personas se oponían a la existencia de cualquier tipo de imagen religiosa.
La pugna entre iconódulos (a favor de las imágenes) e iconoclastas (destructores de imágenes) dio como resultado que en el año 754, todo el arte fuera prohibido en la iglesia oriental.
Sin embargo, esta limitación fue de corta duración y ya para el siglo IX, el arte volvía a estar presente como instrumento de catequización y vehículo de devoción.
En la primera etapa del arte Bizantino (siglo VI), los temas iconográficos son:
Cristológicos y mariológicos que recorren la vida, pasión y muerte de cristo y la vida de la Virgen María.
El tema fundamental era la "deesis" o sea, la representación del padre eterno o cristo acompañados de la Virgen y San Juan.
También se representan vírgenes con el niño de frente, con los ojos agrandados y dolorosos.
Los temas teológicos y las escenas bíblicas, se representan de forma hierática y están realizados con fines didácticos.
También se representa a los emperadores de manera realista.

En general, existen tres tipos de imágenes cristianas: la imagen de culto, la imagen descriptivo - narrativa y la imagen de devoción.
Las imágenes de culto son aquellas a través de las cuales la divinidad se personaliza en

El mundo, son únicas, pertenecen al ámbito de las apariciones y los milagros y ocupan lugares preponderantes en los santuarios que generalmente están dedicados a estas imágenes.

Las descriptivo - narrativas, transmiten un mensaje relacionado con la doctrina, con la historia sagrada, con la teología y con los dogmas de la fe cristiana.
Las de devoción representan también a la divinidad pero generalmente son reproducciones de las imágenes de culto o de personajes asociados a la devoción católica como santos, diferentes advocaciones de la virgen o las personas de la santísima trinidad y pertenecen al ámbito personal.
El arte de Bizancio que se conserva, pertenece en su mayoría a las imágenes descriptivo - narrativas y a las imágenes de devoción, aunque también se conservan imágenes de emperadores.
Es del arte Bizantino de donde surgen modelos para toda la Edad Media.
Entre otras cosas, se representa en Bizancio por primera vez a la corte angelical.
El arte Bizantino dentro de los templos, fue realmente una teología en imagen, ya fuera en pintura o en mosaico y se convirtió en un maravilloso espectáculo para impresionar el alma.
La imagen Bizantina fue la prolongación del dogma, y el desarrollo de la doctrina en el arte Bizantino tenía carácter de libro sagrado de amena lectura.
Se ha dado por categorizar al arte Bizantino en tres "edades de oro", independientes de la epoca "iconoclasta" del siglo VIII en la que un grupos de personas se oponían a la existencia de cualquier tipo de imagen religiosa.
La pugna entre iconódulos (a favor de las imágenes) e iconoclastas (destructores de imágenes) dio como resultado que en el año 754, todo el arte fuera prohibido en la iglesia oriental.
Sin embargo, esta limitación fue de corta duración y ya para el siglo IX, el arte volvía a estar presente como instrumento de catequización y vehículo de devoción.
En la primera etapa del arte Bizantino (siglo VI), los temas iconográficos son:
Cristo lógicos y mariológicos que recorren la vida, pasión y muerte de cristo y la vida de la Virgen María.
El tema fundamental era la "deesis" o sea, la representación del padre eterno o cristo acompañados de la Virgen y San Juan.
También se representan vírgenes con el niño de frente, con los ojos agrandados y dolorosos.
Los temas teológicos y las escenas bíblicas, se representan de forma hierática y están realizados con fines didácticos.
También se representa a los emperadores de manera realista.

Imágenes:
Santa Sofía de Constantinopla.
2BacArtT05Imag santasofiaconstantinopla01
Iglesia San Vital:
2BacArtT05Imag sanvitalravena01
Iglesia San Vital interior:
2BacArtT05Imag sanvitalravena03
Baptisterio de los Ortodoxos:
2BacArtT05Imag baptisterioortodoxos01
San Apolinar in Classe:
2BacArtT05Imag sanapolinarinclasse02
Cátedra de Maxiano:
2BacArtT05Imag catedramaximiliano01
San MArcos:
2BacArtT05Imag sanmarcosvenecia07
2BacArtT05Imag catedramaximiliano02

ARTE ROMÁNICO:

El término “románico” que designa este estilo de arte desarrollado en la mayor parte de la Europa cristiana entre los siglos X al XIII, le fue dado por el arqueólogo Charles de Gerville, en 1820.
El sistema social, político, el arte, la cultura y la ciencia pierden la relevancia de siglos anteriores. Además hay que añadir los constantes desplazamientos masivos de poblaciones, las grandes invasiones y guerras contra los normandos, húngaros y árabes, que hunden por completo al continente. Además, el miedo por el fin del milenio se adueñaba del hombre medieval, que ya había soportado plagas, hambrunas y guerras sumido en la más absoluta pobreza.

Cuando acaba la tortura por el cambio de milenio, parece comenzar a revivir un optimismo por la vida, que parece ir mejorando. Las nuevas técnicas agrícolas y las innovaciones en la fuerza hidráulica influyen en la nueva forma de pensar y en la demografía del continente.

Los grandes desplazamientos de invasores parecen ir frenándose al convertir al cristianismo a húngaros y normandos, y cesar la amenaza musulmana en España. Ante esta situación, la idea de unificación espiritual de Europa bajo la bandera de fé y de un imperio cristiano a pesar de la distancia geográfica y política de los territorios hace resurgir completamente el que no es ya un continente desolado.

Los monasterios comienzan a ser muy extendidos en casi todos los lugares y ya no tienen esa localización tan definida de la Alta Edad Media. Jerusalén, Roma y sobre todo Compostela se convierten en centros de peregrinaje que fomentan junto con el movimiento guerrero-religioso de las Cruzadas un intercambio de conocimientos, culturas y formas de vida entre los europeos y entre estos y la sociedad islámica.

Fue este fenómeno de resurgimiento social, espiritual, económico y demográfico, el que hace vivir a Europa un periodo de “Renacimiento Románico”, una auténtica fiebre por las construcciones, que se caracterizan por pretender parecerse a la cultura romana precedente.

Comenzaron a construirse grandes catedrales en las ciudades más influyentes y en los más importantes centros de peregrinajes (la catedral de Santiago el Apóstol, en Compostela es un ejemplo de ello). Más tarde el estilo se extiende por toda Europa y en la Baja Edad Media todo pueblo o aldea tenía su templo románico. Este arte es el primero que se desarrolla íntegramente en Europa y también el primer arte cristiano, que alberga formas arquitectónicas, esculturales y pictóricas con rasgos de trascendencia espiritual y que utiliza el lenguaje de símbolos para expresar las ideas y sentimientos.

EXPRESIÓN EN EL ARTE ROMÁNICO.

La expresión de las características del arte románico se realiza mediante simbología, que en muchos casos tiene una cierta ironía y en otros sólo pretende avivar la mente humana y hacerla pensar sobre el significado de estas manifestaciones artísticas. A diferencia de otros estilos, el románico no busca la copia de la naturaleza ni la expresión de lo real, se infiltra para demostrar la belleza de una forma abstracta. Es por ello una arquitectura de figuras sencillas que utiliza como elementos artísticos los cuadrados, los círculos, los cubos y los cilindros, que se sitúan dando un ritmo perfecto a la obra. Dicha perfección y armonía de los elementos no es un hecho aislado en la intención del autor sino que está calculado con todo lujo de detalles.

La escultura románica de animales, personas, etc, adopta las formas y proporciones necesarias para ajustarse a un orden geométrico racional. Siguiendo esta característica, podemos encontrar en las portadas, cabeceras y ventanas personajes esculpidos en posturas imposibles y con perspectivas absurdas.

Al igual que en la época romana, el carácter simbólico de los elementos arquitectónicos y esculturales juegan un papel muy importante. Cada símbolo tiene su significado. De esta forma, la orientación de la planta de la mayoría de las iglesias es de este a oeste, justo por donde aparece y desaparece el Sol cada día. El altar por lo tanto tiene orientación este y era la primera zona de la iglesia iluminada por el Sol. Se observa aquí la ideología de ser Cristo la luz del mundo que todo lo puede iluminar. Las bóvedas de medio punto representan las bóvedas celestiales donde Cristo espera a sus fieles tras su muerte. Son las figuras de leones u otros animales de fuerzas poderosas las que se esculpían en los tímpanos y capiteles de las entradas de las iglesias, haciendo ver el carácter divino e impenetrable de éstas.

Cualquier expresión románica es por tanto una gran fuente de simbología. Además de representar físicamente una concentración de los volúmenes, perfectamente equilibrados, creados con la intención de despertar la imaginación, enseñar y conmover.

EL ARTE ROMÁNICO EN EUROPA

Fue la forma representativa del cristianismo en toda Europa, y su estilo invitaba a la reflexión y el amor hacia Dios. El país relacionado con el románico por autonomasia es Francia, aunque también tuvieron su participación Inglaterra, Escocia, Borgoña y la mitad norte de España. Italia, centro de la vida papal y por lo tanto opuesta a la unificación religiosa de todo el continente, recibió de forma más indirecta este estilo artístico, aunque fue el país con el románico más puro debido a su pasado como centro del Imperio Romano. Todo el conjunto de estos edificios, incluidos los que fueron derruidos en épocas anteriores, constituyen una gran fuente de investigación arquitectónica sin precedentes.

* ARQUITECTURA

Las iglesias eran en la Alta Edad Media el punto de encuentro de los fieles con Dios, y por tanto debía representarlo a Él. Pero el arte románico va a dar un cambio radical a estas edificaciones. Se deja un lado la sencillez que predominaba hasta entonces y se emplea de nuevo la majestuosidad de las construcciones romanas. Las naves de estos lugares estaban cubiertas de techos abovedados, en vez de madera y sus exteriores estaban decorados con estatuas y ornamentación arquitectónica.

La iglesia más representativa de la parte sur de Francia es sin duda la Iglesia de St. Senin en Toulouse. Es una edificación mucho más compleja que la de construcciones anteriores. Construida con planta de cruz latina, con el tronco más largo que los tros dos segmentos que se abren a ambos lados. Esta característica proporcionaba una nave central mucho más espaciosa gracias a esos brazos transversales denominados cruceros. Era allí donde se situaban los peregrinos que había recorrido un largo camino para asistir a los ritos religiosos, que se realizaban en el compartimento más pequeño del edificio: el ábside del extremo oriental. La nave central estaba flanqueada por dos naves laterales a sus costados, que interiormente se prolongaban a través de los brazos del crucero formando un deambulatorio (sitio para pasear). El deambulatorio albergaba diversas capillas, la mayor de ellas estaba dedicada por lo general a la Virgen María, por lo que recibía el nombre de Capilla de la Señora.

*ESCULTURA

En esta época resurge la escultura monumental tallada en piedra, que hasta ese momento sólo se mantuvo como forma de decoración superficial u ornamento arquitectónico de talla reducida. En la Alta Edad Media la escultura en miniatura fue la tónica dominante, con pequeños relieves y figurillas realizados en metal o marfil; la escultura de gran escala se limitaba casi exclusivamente a la madera.

Al igual que en la arquitectura cada zona geográfica tenía su propio estilo escultórico, con características muy marcadas en cada una de ellas.

* PINTURA

Esta expresión artística no se desarrolla de la misma forma que la arquitectura ni la escultura del románico, y apenas puede hacerse una distinción entre la pintura de la Edad Media y la pintura románica. Pero no por este hecho la pintura deja de ser importante en este estilo artístico.

De igual forma que la arquitectura y la escultura albergó gran número de variaciones locales, aunque las producciones más bellas nos llegan desde los monasterios de Francia, Bélgica y el sur de Inglaterra. Porque no debemos olvidar que la pintura era la base fundamental de la iluminación de manuscritos. Las obras de estas zonas son muy parecidas entre sí.

En la representación de San Juan Bautista en el Evangelio del Abad Wedricus existe una tendencia románica a realizar el dibujo con formas lineales, aunque suavizadas por la influencia bizantina, pero sin dejar el ritmo de las formas. El personaje principal se centra en un marco, del que parece no tener salida. Esta expresión del dibujo lineal y los sencillos contornos que lo definen, se adaptan con gran facilidad a las diferentes escalas de las pinturas románicas, que podían ser representadas en murales, tapices, vidrieras de colores o relieves escultóricos.

El “Tapiz de Bayeux” es un friso bordado en paño, de unos 70 cm. de longitud, que narra la invasión de Inglaterra por Guillermo el Conquistador. En este friso, no se centra la imagen principal dentro de un marco si no que se divide en tres partes horizontales. La parte superior está adornada con pájaros y otros animales, pero la franja inferior está decoradas con imágenes de soldados y caballos, lo que la hace estar más integrada en la composición central del tapiz.

Aunque improvisto de todos los refinamiento de la pintura clásica, el tapiz nos recrea una visión sorprendentemente intensa y detallada del arte militar en el siglo XI. La superposición de las figuras hace de cada combatiente un héroe individual que de una forma u otra ayuda incluso cuando ha sido derrotado.

“La Construcción de la Torre de Babel”, representada en la nave central de la iglesia de St. Servin-sur-Gartempe, trata una composición realmente dramática en la que el propio Dios participa directamente en la narración.

Fue a mediados del siglo XII cuando la pintura románica comenzó a sufrir cambios tanto en Francia como en Inglaterra. “El paso del mar Rojo”es una plancha esmaltada realizada por Nicolás de Verdún y que compone el retablo de la abadía de Klosterneuburg (Austria), se aleja de las formas lineales y recobra de súbito una forma de líneas tridimensionales. Los pliegues de la ropa tienen el volumen del cuerpo que las lleva puesta. Es aquí dónde podemos observar ese predominio clásico que hasta entonces estuvo perdido en la pintura románica.

A partir de este momento la pintura románica deja de ser considerada como tal y es simplemente un paso transitorio entre el románico y el gótico.

Imágenes:
Catedral de Woms:
BAC09500
Iglesia de Sain Remi:
BAD09502
Catedral de Parma:
BAF09398
Frontal de Avia:
BAF09393
Catedral vieja de Salamanca:
BAT09378
Colegiata de san Isidoro:
BAP09385
Crusifijo de don Fernando:
BAC09375
Iglesia de SAn Martín:
BAI09303
Nanonino
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19/01/09 15:31 hs
2 Re: Historia de arte de la prehistoria a hoy
ARTE GÓTICO:

El Arte gótico es un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que encontramos aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, según las áreas geográficas.

Se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los manuscritos y las diversas artes decorativas.

El término gótico fue empleado por primera vez por los tratadistas del Renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (godo, de ahí el término gótico) comparado con el arte clásico.

En el siglo XIX se produjo una revalorización de este periodo debido a movimientos historicistas y románticos. El gótico apareció a continuación del románico, a lo largo de la baja edad media, y hoy día se considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en Europa.

El estilo gótico encontró su gran medio de expresión en la arquitectura. Surgió en la primera mitad del siglo XII a partir de la evolución de precedentes románicos y otros condicionantes teológicos, tecnológicos y sociales. La arquitectura gótica perduró hasta bien entrado el siglo XVI en diversos países europeos como Inglaterra, mucho después de que el estilo renacentista hubiera penetrado en otros campos artísticos. Las mayores realizaciones del gótico se manifestaron en el terreno de la arquitectura religiosa.

En contraste con la arquitectura del románico, cuyas características esenciales son los arcos de medio punto, las estructuras macizas con escasos vanos y las bóvedas de cañón o arista, la arquitectura gótica empleó el arco apuntado, agujas, chapiteles y gabletes, reforzando el sentido ascensional que pretende transmitir el edificio, amplios vanos con tracerías caladas para conseguir la máxima luminosidad y estructuras reducidas al mínimo.

Todas estas cualidades estilísticas fueron posibles gracias a las innovaciones constructivas, especialmente a la aparición de la bóveda de crucería. Las iglesias medievales poseían bóvedas muy pesadas, que obligaban a disponer muros gruesos y con pocos ventanales para soportar sus empujes.

A principios del siglo XII los constructores inventaron la bóveda de crucería, que consiste en el cruce de dos arcos o nervios apuntados, que conforman una estructura resistente sobre la que se colocan los ligeros elementos de relleno que configuran la bóveda. Este sistema además de ligero y versátil, permite cubrir espacios de diversa configuración formal, con lo que posibilita un gran número de combinaciones arquitectónicas.

Aunque las primeras iglesias góticas adoptaron una gran variedad de formas, la construcción de las grandes catedrales del norte de Francia en la segunda mitad del siglo XII se benefició de las ventajas de las bóvedas de crucería. Con ellas se podían concentrar los empujes en los cuatro puntos del vértice y posteriormente apearlos por medio de los elementos sustentantes, que podían ser los pilares o columnas pero también el sistema de estribo y arbotante, un arco que transmite los esfuerzos tangenciales hacia un contrafuerte situado en el exterior del edificio coronado por un pináculo.

Como consecuencia, los gruesos muros de la arquitectura románica pudieron ser reemplazados por ligeros cerramientos con ventanales que permitieron la aparición de la vidriera y facilitaron que el edificio alcanzase alturas insospechadas. Así se produjo una revolución en las técnicas constructivas.

Con la bóveda gótica los edificios pudieron adoptar formas variadas. Sin embargo, la planta común de las catedrales góticas consistió en tres o cinco naves longitudinales, un transepto, un coro y un presbiterio, es decir, una composición similar a la de las iglesias románicas.

Las catedrales góticas también mantuvieron y perfeccionaron la creación más genuina de la arquitectura románica: la girola, una estructura compleja que aparece en la cabecera del templo, generalmente de forma semicircular con un deambulatorio alrededor y al que se abren capillas radiales de planta semicircular o poligonal.

La organización de los alzados en el interior de las naves y en el coro también mantuvo los precedentes románicos. Por otro lado, los esbeltos pilares compuestos que separan las naves, con sus finos fustes elevándose a través del triforio hasta las nervaduras de las bóvedas, y el uso del arco apuntado en todo el edificio, contribuyen a crear efectos de verticalidad que constituye la expresión más intrínseca de la arquitectura gótica.

El objetivo prioritario de la organización exterior de la catedral gótica, con sus arbotantes y pináculos, fue contrarrestar el peso de las bóvedas. La fachada occidental o de los pies de la iglesia, por otro lado, intentaba producir un efecto de desmaterialización del muro a través de ricos recursos plásticos. La típica fachada principal gótica se divide en tres cuerpos horizontales y tres secciones verticales o calles, donde se abren las tres portadas que se corresponden con las naves del interior. Las dos torres laterales forman parte del cuerpo de la fachada y se rematan frecuentemente por agujas o chapiteles. Por último, el gran rosetón sobre la portada central supone un magnífico centro para la totalidad del conjunto.

Gótico temprano

En Francia, durante la primera mitad del siglo XII, la bóveda de crucería apareció esporádicamente en cierto número de iglesias. Sin embargo, la fase que iba a conducir a la construcción de las grandes catedrales francesas comenzó en 1137, con motivo de la construcción de la girola de la iglesia abacial de Saint-Denis, panteón real en las afueras de París.

En el deambulatorio de Saint-Denis, las finas columnas que sustentan las bóvedas de crucería y la ausencia de muros divisorios entre las distintas capillas radiales proporcionó un nuevo sentido de espacio continuo, fluido, que anticipaba las creaciones posteriores.

Saint-Denis fue el modelo para la primera de las grandes catedrales, Notre Dame de París (comenzada en 1163), así como para un periodo de experimentación orientado a la desmaterialización del muro por medio de la apertura de grandes ventanales traslúcidos. El añadido de un cuarto piso en los alzados interiores incrementó la altura de forma vertiginosa. Este piso adicional, denominado triforio, consiste en un estrecho pasadizo con arquerías situado entre la tribuna que se halla sobre las naves laterales y el nivel de los ventanales superiores (claristorio). Las catedrales francesas de Laon y Noyon también corresponden a esta primera etapa.

Gótico clásico

La fase experimental del gótico temprano se resolvió finalmente en la catedral de Chartres (comenzada en 1194). Eliminando la tribuna del segundo piso heredada del románico, pero manteniendo el triforio, recupera la sección longitudinal de tres pisos o niveles. En su defecto se gana altura a través de un amplio claristorio o piso de ventanales, nivel de las arquerías, que proporciona una luz casi vertical. Cada vano se organiza mediante una estructura geminada, dividido por un parteluz y decorado con motivos de tracería como tréboles, óculos o cuadrifolios. La catedral de Chartres sirvió de modelo para las siguientes catedrales góticas.

Este periodo del gótico clásico culminó en la catedral de Reims (comenzada en 1210).

En torno a 1220, la nave de la catedral de Amiens retomó el sentido clásico y ascensional de Chartres y Reims, enfatizando la verticalidad y la estilización de los pilares. De este modo Amiens supuso una transición hacia la más elevada de las catedrales góticas francesas, la catedral de Beauvais. En ella aparece un gigantesco piso de arquerías (derivado de Bourges) bajo un piso de ventanales del mismo tamaño, que permite alcanzar la altura sin precedentes de 48 metros.

Gótico radiante o rayonnant

La catedral de Beauvais se comenzó en 1225, un año antes de que Luis IX de Francia ascendiese al trono. Durante su largo reinado, de 1226 a 1270, la arquitectura gótica entró en una nueva fase denominada radiante o rayonnant. El término rayonnant deriva de los elementos radiales, como los de una rueda, que conforman los enormes rosetones característicos de este estilo. La altura dejó de ser el principal objetivo, y en su lugar se extremó la desmaterialización del muro reduciendo el espesor de la mampostería, extendiendo los ventanales y reemplazando el muro exterior del triforio por vanos de tracería. Los muros de este periodo radiante asumieron el carácter de membranas traslúcidas.

Todas estas características del gótico radiante fueron incorporadas en la primera empresa importante llevada a cabo durante esta nueva fase, la reconstrucción (comenzada en 1232) de la iglesia abacial de Saint-Denis.

En la evolución de la arquitectura gótica, el progresivo aumento de los vanos acarreó la posibilidad de crear un ambiente interior sacralizado y simbólico a través de la luz coloreada que pasaba a través de las vidrieras. Los colores dominantes fueron el azul oscuro y el rojo rubí brillante.

Expansión de la arquitectura gótica

La influencia de la arquitectura gótica francesa en el resto de Europa fue enorme.

En España, este estilo también está representado por las grandes catedrales urbanas, si bien en el siglo XV la obra civil adquirió mayor importancia.

En Alemania (que entonces formaba parte del Sacro Imperio Romano Germánico junto a otros territorios de Europa central) el gótico también apareció a lo largo del siglo XIII, aunque en una primera fase convivió con los esquemas románicos autóctonos.

En Italia e Inglaterra la aceptación de los esquemas franceses se encontró con mayores reticencias, de modo que su influencia fue escasa. Las iglesias florentinas y las reminiscencias superficiales del gótico francés en las fachadas de la catedrales de Siena y Orvieto son simples fases transitorias en la evolución que condujo en Italia del románico clasicista a los inicios de la arquitectura renacentista en la obra de Filippo Brunelleschi.

Escultura

La escultura siguió el precedente románico, con una amplia difusión de imágenes cuyo fin era adoctrinar a los fieles en los dogmas de la fe religiosa y decorar las fachadas de las catedrales. La escultura de los siglos XII y principios del XIII tuvo un carácter predominantemente arquitectónico.

Las figuras más destacadas son las estatuas colosales de las jambas (pilastras laterales) de las portadas y las de los parteluces de los vanos de entrada. Reciben el nombre de estatuas-columna por estar adosadas a estos soportes. A veces, la estatua-columna tiende a liberarse del marco arquitectónico, como si fuera una escultura exenta o de bulto redondo.

En el estilo considerado protogótico destacan las estatuas-columna del famoso pórtico de la Gloria (fachada occidental) de la catedral de Santiago de Compostela (España, último tercio del siglo XII), donde apóstoles y profetas se hacen eco del nuevo sentido naturalista idealizado, a la vez que expresan sus sentimientos y empiezan a entablar lo que se denomina sacra conversazione, es decir, la comunicación entre los personajes sagrados.

En Francia cabe reseñar las estatuas-columna de la fachada occidental de la catedral de Chartres, que datan aproximadamente de 1155. Las estatuas del pórtico Real de Chartres poseen unas proporciones y un sentido del volumen que revelan un naturalismo ajeno al mundo románico. Durante las décadas siguientes las figuras de Chartres inspiraron a un gran número de artífices franceses. Sin embargo, las estatuas-columna no eran las únicas manifestaciones escultóricas figurativas de las portadas, que seguían un rico y elaborado programa iconográfico centrado en los altorrelieves del tímpano, arquivoltas y en menor medida, en los dinteles de las puertas. En los parteluces, solían aparecer estatuas de la Virgen, Cristo o algún santo relacionado con la iglesia catedralicia.

Aparición del naturalismo

Los convencionalismos en el tratamiento de los pliegues fueron reemplazados por volúmenes más sólidos y naturales en un proceso que comienza en torno a 1210 con la portada de la Coronación de la catedral de París, y que continúa después de 1225 en las portadas de la catedral de Amiens.

A partir de 1240 ya se aprecian en la fachada occidental de la catedral de Reims y en las estatuas de los apóstoles de la Sainte-Chapelle de París los pliegues pesados y angulosos, profundamente esculpidos en forma tubular, característicos de la escultura gótica posterior. Al mismo tiempo las estatuas se liberaron del soporte arquitectónico.
virgen nino

En las estatuas de Reims y en las del interior de la Sainte-Chapelle se consolidó el típico rostro de las figuras góticas: forma triangular, mentón destacado, ojos almendrados y una marcada sonrisa. Al mismo tiempo se inició la representación de posturas y gestos amanerados, que resultan de una síntesis entre las formas naturalistas, la elegancia cortesana y una delicada espiritualidad.

Otros géneros desarrollados por la escultura gótica fueron las imágenes votivas, esculturas de bulto redondo de pequeño tamaño con representaciones de la Virgen y el Niño o de Cristo crucificado, en las que se aprecian los cambios iconográficos que se produjeron en el mundo gótico, como una mayor humanización y naturalismo. Por otro lado, el relieve alcanzó gran esplendor en los retablos, las sillerías de coro y los sepulcros de grandes personajes.

En relación a las tendencias naturalistas, aparecieron interpretaciones más humanizadas de la Virgen con el Niño, imágenes que muestran una relación amorosa en la que la Virgen mira a su hijo dulcemente o juega con él mientras le ofrece una flor o una fruta. Un ejemplo de esta nueva iconografía es la Virgen con el Niño de la portada inferior de la Sainte-Chapelle, un modelo que siguió vigente en Europa durante varios siglos.

Difusión de la escultura gótica

Aunque la génesis de la escultura gótica se iniciara en el norte de Francia, como sucedió en el caso de la arquitectura, algunas de las obras más notables se realizaron en Alemania. La escultura gótica alemana se caracterizó por un fuerte expresionismo, algunas veces en el límite de la caricatura, y al mismo tiempo por una lírica belleza y elegancia formal

En Italia existió, como en el caso de la arquitectura, una cierta reticencia a aceptar los postulados franceses. En este caso sería más apropiado hablar de tendencias goticistas dentro de un clima en el que va apareciendo el protorrenacimiento. El taller más representativo fue el de Pisa.

En España, en el segundo cuarto del siglo XIII se introdujeron las formas de la escultura francesa a través de las intensas relaciones políticas y culturales que la monarquía española estableció con la francesa. En el siglo XIII destacaron dos talleres en torno a las catedrales de Burgos y León.

Artes decorativas

En Francia a lo largo del siglo XIII las artes decorativas estuvieron bajo el dominio de la evocación religiosa. Los medallones que aparecen en las ilustraciones de las Bibles moralisées (Biblias moralizadas), en el segundo cuarto del siglo, se inspiraron sin duda en el diseño de las vidrieras catedralicias. En el salterio de Luis IX (posterior a 1255), los gabletes con rosetones que enmarcan las miniaturas imitan los modelos de la Sainte-Chapelle. A partir de 1250 el mismo estilo cortesano inspira la escultura monumental y las pequeñas tallas elefantinas (de marfil).

Hacia 1300 las artes decorativas comenzaron a asumir un papel más independiente. En la región del Rin se produjeron piezas de un marcado carácter expresivo, que van desde las estatuillas de la escuela del lago Constanza, como la del joven san Juan sentado dejando caer su cabeza tiernamente en el hombro de Cristo, hasta la espantosa evocación del sufrimiento de la pasión de Cristo.

Gótico final o tardío

París había encabezado el arte y la cultura europeas desde 1230. Sin embargo, tras los estragos de la peste y el estallido de la guerra de los Cien Años a mediados del siglo XIV, París perdió la supremacía y se convirtió en uno más entre los numerosos centros artísticos que florecieron en este periodo.

Pintura

Dentro de la evolución pictórica del siglo XV se distinguen dos estilos, el estilo gótico internacional y el estilo flamenco. El primero corresponde a los dos últimos decenios del siglo XIV y perduró en la mayor parte de Europa durante la primera mitad del siglo XV. El estilo flamenco surgió en Flandes en el primer tercio del siglo XV, paralelamente al renacimiento italiano, y se difundió por el resto de Europa durante la segunda mitad del siglo.

El estilo internacional apareció en el centro del continente como consecuencia de la fusión de elementos y formas del gótico lineal con las innovaciones técnicas e iconográficas aportadas por los pintores italianos del trecento (Giotto, Duccio, Simone Martini y los hermanos Lorenzetti).

El estilo se caracteriza por la valoración expresiva de lo anecdótico, la estilización de las figuras, el predominio de las líneas curvas tanto en los pliegues como en las posturas corporales, la introducción de detalles naturalistas con fines simbólicos y el empleo de una técnica minuciosa.
Museo del Prado

El estilo flamenco se inició en las cortes de los duques de Berry y de Borgoña. La principal aportación de esta escuela es la utilización de la técnica al óleo, que permite una mayor viveza y enriquecimiento de la gama cromática, la realización de veladuras y la obtención de colores compuestos.

Los rasgos más definitorios del estilo flamenco fueron el mayor naturalismo, el gusto por el detalle a través de una técnica minuciosa y, en ocasiones, la codificación simbolista de la gama cromática y de ciertos objetos. Los iniciadores de la escuela flamenca son los hermanos Huberto y Jan van Eyck, cuya primera obra célebre fue el retablo de El cordero místico de la iglesia de San Bavón de Gante. Sin embargo, dentro de la escuela destacó una figura excepcional, avanzada para su época: Hieronymus van Aken, llamado El Bosco, que desarrolló en sus obras un universo surrealista en clave moralizante. Entre sus obras cabe citar El jardín de las delicias (Museo del Prado, Madrid).

A lo largo del siglo XV la influencia flamenca se extendió por toda Europa, considerada como un renacimiento nórdico ajeno al punto de vista conceptual de la edad media.


Imágenes:
Catedral de León:
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Catedral de Burgos:
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Catedral de Toledo:
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Catedral de Toledo, portada del Juicio Final:
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Catedral de San Esteban, Viena:
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Catedral de Notre Damme, exterior e interior:
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Catedral de la Siena, interior:
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Catedral de SAnta María de la Spina:
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Catedral de Santa Maria de las Flores:
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Basílica de SAn Francisco:
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Iglesia de la Magdalena:
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Renacimiento:

Italia siglos XV y XVI (características del Renacimiento en el Quattrocento y el Cinquecento)

Introducción:
El Renacimiento expresa un movimiento y una época donde se retorna al estudio e imitación de la literatura, arte y filosofía de la antigüedad clásica griega y romana En pintura la renovación hacia lo clásico se realiza por medio del estudio del natural y de la aplicación de las leyes de la perspectiva, únicamente este arte recibe la influencia greco-romana a través de la arquitectura y la escultura.
Los cimientos de la renovación son varios, el eje más atrayente es el Humanismo orientado hacia el papel central del hombre y sus actos. La anatomía del hombre fue objeto de un minucioso estudio por parte de científicos, que dibujaban ordenadamente sus descubrimientos, involucrándose con frecuencia el rol del científico con el del pintor. Un pintor convenía de tener profundos conocimientos de teología, historia y mitología para estar autorizado en la representación de la historia que debería de narrar, el tornar a concentrarse en lo humano no es una dejadez de lo divino, por el contrario, lo divino es percibido desde la perspectiva humana para conferirlo de mayor significación: Dios trata de concebirse evidente a la razón humana, en vez de limitarlo a la impresión de la fe. Para una conveniente representación de la historia y de los personajes el pintor debería de laborar terceras ramas del saber: para los seres humanos, sé artículo anatomía y fisiología, también hubieron de estudiar mitología, lenguas clásicas y teología para representar dignamente, las escenas, los vestidos y los ambientes. La conquista de la tercera dimensión es fortalecida al colocar las figuras sobre un paisaje o en un interior, así tanto el propio volumen de la figura establece la profundidad, como también el hecho de moverse en un espacio aéreo a su alrededor.La mayor parte de la producción artística siguió consagrada al tópico religioso, con tres propósitos fundamentales: acrecentar la garantía de la predicación, lograr la emoción del fiel y conservar el dogma por medio de las imágenes. No obstante se introduce con ímpetu la pintura profana; por un lado germina el retrato representando a los mecenas de los pintores o a efigies representativas del saber, tanto moderno como antiguo; por otro la invasión del neoplatonismo florentino con representaciones paganas que se reajustan al cristianismo. La razón se recupera apoyándose en la reintroducción de la sabiduría clásica: los textos de la antigüedad que se atesoraban se traducen. Se inicia con vigor la pompa del retrato, se introducen mitologías, usualmente con trasfondo religioso e incluso misteriosos, es el caso de la obra de Botticelli, EL TRIUNFO DE LA PRIMAVERA.

Es esta etapa cuando los artistas principian en firmar sus obras, sus antecedentes biográficos son recogidos por los entendidos en arte, y sus teorías pictóricas están impregnadas de gran elaboración intelectual. El renacimiento se organiza en dos hemisferios, el Quattrocento o siglo XV y el Cinquecento o siglo XVI

En el Renacimiento, sus integrantes se autodenominan como hombres del Renacimiento, e inauguradores de una nueva Edad, la Edad Moderna, por oposición a la Edad Media , lazo de transición entre la grandiosidad de la Antigüedad clásica y su propia época.
Características del Renacimiento en los siglos XV y XVI:

El comienzo del Renacimiento Italiano suele datarse hacia el año 1420, el Renacimiento florentino es considerado por algunos historiadores del arte como un retomar la época de esplendor del Trecento temprano, en el cual se destacó Giotto por su naturalismo, donde según Vasari la renovación del arte se realiza por la imitación de la naturaleza que para él es lo mismo que el retorno de aquel (Giotto) a los maestros de la antigüedad.

La pintura del Renacimiento se data en Masaccio (1401-1428). La arquitectura en el florentino Filippo Brunelleschi (1377-1446) y la escultura en Donatello (1386-1466)
En la pintura renacentista Masaccio manifiesta el naturalismo de las representaciones figurativas y escénicas y el ilusionismo espacial logrado por la perspectiva central con que crea sus imágenes.

Otra característica del Renacimiento en Italia es el surgimiento del individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombres del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes , nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios.

Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideal que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi, Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y otros. En su mayoría también eran arquitectos.

La arquitectura no era considerada oficio autónomo ni poseía un sistema de formación propio, dado que quien era arquitecto anteriormente tendría formación artesanal en otra disciplina donde demostraría su destreza avanzando posteriormente en tareas de mayor envergadura donde se precisarían conocimientos en geometría y de teoría de las proporciones de la arquitectura antigua.

Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos normales, en la clasificación medieval de la pintura y la escultura , estas serían artes "mecánicas" no liberales. Condicionalmente las artes liberales se enseñaban en las universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como la gramática, lógica y retórica y las más elevadas como, aritmética, geometría, música y astronomía. La importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría Ghiberti que sostenía que debían estudiar gramática , geometría, aritmética, astronomía, filosofía, historia, medicina, anatomía, perspectiva y "diseño teórico".
"La Puerta del Paraíso" del Baptisterio de Florencia realizada por Ghiberti marcará un punto de inflexión en la historia del arte.

Hasta entrado el siglo XV la palabra "artista" era utilizada para nombrar a los estudiantes de las artes liberales y no para un pintor y escultor. Pero los artistas como Ghiberti durante los siglos XV y XVI se emanciparon de la programática teológica dándole al concepto "artista" su significado moderno, el ser artista denota un ascenso de estatus social.

Anteriormente la iglesia había sido patrocinadora del arte pero en la Italia renacentista la mayoría de las imágenes serían encargadas por laicos. Los laicos y religiosos se comportaban como personas privadas o representantes de diversas corporaciones como los gremios responsables de las obras de la Catedral y del Baptisterio que encargaban mayormente obras como esculturas. Entre los corporativos se hallaban las hermandades destinadas a las tareas religiosas o caritativas que también se relacionaban con la política y la cultura. El Estado o Gobierno de las ciudades de la misma manera se mostraría como comitente.

Poco se diferenciarían los comitentes públicos de los privados cuando se habla de príncipes que actuaban como regentes del Estado, que no diferenciaban entre las funciones públicas y privadas. Los artistas recibían encargos de ellos y en oportunidades un empleo fijo como Leonardo Da Vinci en Milán. Este empleo tendría dos caras, dado que la mayor seguridad económica y aumento de prestigio estaba concatenada a obligaciones de presencia y dependencia en lo referido a la ejecución del trabajo.

Hay tres tipos de motivaciones para los encargos de pintura y escultura: la piedad, el prestigio y el placer, siendo esta la que ganaría importancia en el siglo XV y XVI las familias donde se destacara más esta característica será en las de formación Humanística, dado que entre los príncipes y representantes de las grandes familias, que actuaban como mecenas de las artes, los maestros humanistas, encontrarían sus alumnos. Así también en ocasiones los artistas recurrirían al consejo de los humanistas, en cuestiones de mitología clásica y de historia de la antigüedad para la realización de sus imágenes.

Los humanistas serían los primeros en difundir conocimientos de la tradición clásica por ser conocedores de literatura, también aquí los estímulos se remontarían al Trecento en el que la Antigüedad Clásica y su legado literario se reactivaría. Siendo Petrarca (1304-1374) transmisor del entusiasmo por la antigüedad a sus discípulos. Destacándose Coluccio Salutati que ocupara en 1375 el cargo de canciller en Florencia y se convertiría en el pionero de la Filología Clásica , entre sus alumnos se encuentran los humanistas de la próxima generación: Leonardo Bruni, Pietro Paolo Vergerio y Poggio Bracciolino. La percepción de la antigüedad humanística en los siglos XV y XVI se eleva al rango de ciencia en el plano teórico e ideológicamente en lo práctico se tematiza la relación entre el Renacimiento y la Antigüedad.

En lo que refiere a la arquitectura: el Papa Nicolás V sería uno de los más grandes constructores del Renacimiento y comitente de León Battista Alberti quien fue participe en los proyectos para reconstruir el Vaticano, el Papa consideraba que la pintura era capaz de hacer visible el poder divino, mostrando a las divinidades como hombres y mujeres reales y llenos de vida, mientras que la arquitectura presentaba obras para la eternidad donde las personalidades e instituciones gobernarían en el presente y los siglos venideros.

Con sus edificios recuperó un imperio desaparecido y lo pobló con los cristianos poniendo al frente al Papa como nuevo Pontifex Maximums reconstruyendo la Iglesia de San Pedro con un mayor esplendor y porte clásico dándole la apariencia de un "Monumento Perpetuo" creado por la mano de Dios siendo una prueba eterna de que a los papas le correspondía tanto el poder terrenal en Roma así como las llaves del cielo y de la tierra entregadas por Cristo a Pedro, primer Papa fundador de la Iglesia.

De este modo se recrea la Antigüedad como un imperio cristiano eterno. Siendo el Renacimiento un instrumento persuasivo, de la historia de Italia y utilizado como legitimador de una autoridad temporal y espiritual. Se puede limitar la arquitectura papal a los siglos XI y XVI donde alcanza el papado su máximo poderío y estuvo enmarcado en los movimientos de reforma religiosa decisivos. Donde el empeño de la iglesia fue fortalecer y propagar la fe en una comunidad en crecimiento especialmente, en el vulgo y la población laica no perteneciente a la nobleza.

El vulgo que se enriquecía crecía y emigraba a las ciudades cuando antes vivía en las tierras de los señores feudales o en pequeñas poblaciones de Italia, la Iglesia desidio prestarle una mayor atención y su arquitectura sería un medio de propaganda papal dirigida a los más receptivos y a los que serian su posterior apoyo. Los nuevos edificios y sus tipos se atribuían a las diversas instituciones creadas por el vulgo que eran destinatarias de la propaganda arquitectónica papal.

En el siglo XV personalidades importantes y familias pudientes construyeron sus residencias privadas, urbanas y de extramuros así como nuevos centros creados para la vida política y cultura cortesana de las ciudades, aplicando las formas arquitectónicas inspiradas en la Antigüedad. Desde el siglo XV al XVI también construyeron lejos de las ciudades, villas con jardines como nuevo centro de la cultura cortesana en Italia.

Imágenes del Quattrocento:
Capilla Pazzi, interior y exterior:
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Catedral de la capilla de Santa María de las Flores, interior, exterior y pinturas:
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Logia dei Lanzi:
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Palacio Strozzi:
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Palacio Pitti:
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Imágenes del Quincuecento:
San Pietro in Montorio:
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Patio de la Piña:
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Basilica de San Pedro:
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Iglesia del Redentor:
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Galería Borghese:
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La piedad (Miguel Angel):
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El sepulcro de juliano de Medicis:
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Estancias (Rafael):
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Capilla sixtina: Fresco del juicio final, Frescos de la Boveda
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Manierismo:

Término utilizado para referirse a un estilo artístico que prevalece en Italia y Norte de Europa, durante la mayor parte del siglo XVI. Sus comienzos coinciden aproximadamente, con la muerte de Rafael en 1520 y con la desaparición del alto renacimiento.
Deriva de la palabra italiana maniera, popularizada y utilizada por Vasari para admirar el arte de su tiempo. Actualmente se utiliza para sugerir un arte caracterizado por la artificialidad, la superficialidad y la exageración. Entre sus cualidades se encuentran elementos de tensión y sentimentalismo, alargamiento de la figura humana, sorprendentes cambios de escala, iluminación o perspectiva, fuertes colores y la línea serpentinata, que forman las espaldas y caderas de las figuras.
Artistas como Pontormo o Parmigianino reúnen en sus obras tales características. En arquitectura destaca Miguel Angel.

El arte manierista en España:

El estilo llega de la mano de artistas formados en Italia, aunque la mayoría se limita a copiar modelos italianos. Pedro de Campaña, Alonso de Berruguete y Pedro Machuca, son los definidores del manierismo pictórico español; los tres estuvieron en Italia y conocieron el arte de Miguel Ángel y de Rafael.
También en Toledo y Valencia, donde trabaja Vicente Maçip y su hijo Juan de Juanes, y en el Valle del Ebro se observa cierta influencia manierista. Tanto aquí como en Cataluña, el estilo se caracteriza por su expresionismo, lo que se explica por la procedencia nórdica de muchos de sus integrantes.
A mediados de siglo, se empieza a buscar la eficacia devocional a base de formas poderosas y monumentales, lo que da lugar a la contramaniera o manierismo reformado, representando en El Escorial su foco más importante. En Toledo, trabaja El Greco, una de las figuras esenciales del manierismo internacional y en el campo escultórico Alonso Berruguete, introductor de importantes cambios, a través del taller de aprendizaje que establece en esta ciudad. Otro foco importante es Valladolid, que cuenta con la presencia de Juan de Juni.
En arquitectura las primeras formas manieristas aparecen en el palacio de Carlos V en la Alhambra y las novedades formales y estructurales son motivadas por la rápida asimilación de los libros V y III de Serlio. A mediados del siglo XVI, se produce un proceso reduccionista en lo decorativo, continuado en el último tercio y que dará lugar a la arquitectura clasicista o herreriana, siendo El Escorial su edificio culminante como imagen arquitectónica de la monarquía.

Hauser señala que la crisis manierista, profundamente interceptada por los avances de las ciencias naturales, prepara la visión científica del mundo futuro. Esta visión, sin embargo, va acompañada por una profunda crisis del humanismo, la que involucrará un deterioro "del concepto de naturaleza en el sentido de algo que puede constituir en todo momento un canon de conducta". Por otra parte, como expresión de los conflictos espirituales de la época, el Merismo no alberga ninguna fe en que exista coincidencia entre el orden divino y el orden humano, rompiendo de este modo la ilusión renacentista que aspiraba a la coincidencia plena y armoniosa entre cuerpo y alma. Perdida la confianza en la naturaleza y la fe en la posibilidad humana -racional- de la trascendencia, el hombre Manierista ve destruirse el equilibrio entre alfna y cuerpo, entre espíritu y materia, como también ve naufragar la posibilidad de pronunciarse con criterios ciertos sobre la verdad científica, el valor artístico o la moral.

En síntesis, tenemos que la crisis manierista se constituye con los siguientes elementos: Incidencia determinante de los avances y proyecciones científicas en la visión futura de mundo y de sujeto; crisis del humanismo determinada por la negación del concepto de naturaleza como canon de conducta rector y por la negación de la coincidencia entre el orden divino y el humano; negación de la coincidencia armoniosa entre cuerpo y alma; concepción de la divinidad como una entidad despótico; ausencia de fe en la posibilidad de la salvación y la trascendencia; imposibilidad de pronunciarse con criterios ciertos sobre la realidad. Todos estos elementos de finales del siglo XVI reaparecen y se acentúan en el Neobarroco, también en la crisis de mundo expresada por éste, y que estamos conociendo como poshumanismo, concepto este último que, con su postulado cyborg, híbrido entre lo humano y lo cibenético, señala un quiebre fundamental en la comprensión que el hombre occidental hasta ahora había tenido de sí mismo. Lo anterior nos permite postular que un estudio y comprensión acabados de la episteme Neobarroca, necesariamente debe contemplar la vigencia de los principios y postulados maníeristas, e instalar una discusión que aparece en este momento de la cultura plenamente abierta.

La aparición del manierismo, dice Hauser señala uno de los cortes más abruptos sufridos por la historia del espíritu y, refieriendose a las vanguardias artísticas del siglo XX, su redescubrimiento indica un significativo quiebre en el desenvolvimiento artístico. La vigencia de estas afirmaciones, respecto de una propuesta estética emergente en un momento histórico determinado, cobran una resonancia fundamental en esta época llamada por algunos "era neobarroca" y por otros "poshumanista".

Imágenes:
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19/01/09 15:31 hs
3 Re: Historia de arte de la prehistoria a hoy
Barroco:

El término barroco ha sido utilizado en dos sentidos. En sentido restringido para hacer referencia al arte nacido en Italia a finales del siglo XVI y comienzos del XVII, y que durante todo este siglo se propagaría a toda Europa; y en sentido amplio, para designar y caracterizar todos los aspectos pertenecientes a la civilización y a la cultura europea de la primera mitad del siglo XVII (la ciencia, la política, la sensibilidad, la religiosidad, etc.). Nos interesa ahora desarrollar el sentido más preciso del término, aquel que se refiere al arte.
La primera característica del arte barroco es que se trata de un arte creado por la renovación católica frente al protestantismo. El Concilio de Trento justificó y alentó el culto a las imágenes y la representación de los misterios sagrados, para responder y hacer frente a las ideas iconoclastas y a la sobria estética protestante. En ese sentido, el Barroco sería el arte de la Contrarreforma. Pero, al mismo tiempo, la renovación tridentina impuso unos cánones estrictos en materia de arte religioso, de tal manera que con ello se pretendía reaccionar contra los gustos paganos propios del arte del Renacimiento.
Esto condujo a la obligatoria separación de lo religioso y de lo profano en el arte del mundo católico: de ese modo, no se podían introducir en las representaciones de escenas religiosas o sagradas personajes que no lo fueran o, a lo sumo, que no fueran episódicos; igualmente, el vestuario de los personajes sagrados no correspondería con el de la época del artista, sino que serían convencionales, con túnicas y pliegues a la antigua. De la misma manera, el Concilio de Trento ordenó vigilar que de las obras no se dedujesen opiniones falsas, supersticiosas o contrarias a la doctrina y prohibió también la representación de la desnudez o de escenas impúdicas y escandalosas.

El resultado de ese espíritu rígido e intervencionista, unido a la renovación pastoral y piadosa en el seno de la Iglesia, en vez de restringir el espíritu creativo, permitió un crecimiento de las actividades artísticas. Las construcciones de iglesias, que debían adecuarse a determinadas exigencias litúrgicas y pastorales, se multiplicaron por todas partes, ya por la expansión de las órdenes religiosas, ya por el restablecimiento del culto en algunos países. La iglesia de los jesuitas en Roma constituyó, en ese sentido, el prototipo a imitar: una iglesia grande y clara, con una única nave desde la cual se pudiera seguir la misa del altar mayor y con capillas laterales para las misas privadas.

Pintores y escultores también recibieron de la Iglesia una normativa precisa con el fin de proclamar e ilustrar las grandes verdades de la fe y, con ello, adoctrinar y enseñar al pueblo los grandes temas de la doctrina (la exaltación de la Eucaristía, la glorificación de la Virgen y de los santos, la iluminación del hombre por la gracia). Con estas directrices se perseguía también tanto inculcar la piedad en los fieles como responder a los movimientos protestantes. Nada tiene de extraño que la Iglesia católica, que desempeñó un papel sobresaliente en el nacimiento y difusión del arte barroco, le dictara reglamentos y le inculcara su propio espíritu. A las artes plásticas se sumó la música sacra, para lo cual se introdujo en la liturgia el uso del órgano y del canto coral, con la finalidad, también didáctica y pastoral, de emocionar a los fieles para conducirlos a la devoción. Se trataba, en definitiva, de conquistar a las masas mediante determinados estímulos psicológicos.

Sin embargo, este arte austero y funcional, de combate y disciplina, pensado y reglamentado por Trento derivó en poco tiempo hacia la suntuosidad, la riqueza y el recargamiento. En efecto, las iglesias, donde se representaba la misa como si se tratase de un escenario teatral, acabaron decorándose con gran suntuosidad y profusión, desde la fachada hasta los retablos, con motivos relativos a la exaltación de Cristo y de la Virgen, de los santos y de los mártires, como expresión de una fe triunfante.
Pero el arte barroco no es sólo un arte religioso. También constituye la expresión de la sensibilidad de un siglo duro, dramático, intenso y atormentado, en el que la vida tiene escaso valor debido a la muerte temprana, a la muerte violenta, a la muerte multitudinaria. Por eso la vida se ama y se vive con intensidad y con pasión, se intenta gustar de toda clase de sensaciones y placeres, se goza de la naturaleza y del movimiento, del color y de la luz, de los materiales suntuosos, del oro y del mármol veteado. Rubens expresó todo eso en sus obras, en la sensualidad de sus personajes y en la elección de colores y formas.

Por otra parte, los hombres del siglo sometidos a sentimientos contradictorios de amor y violencia, de alegría y temor, dominaban mal las emociones y las pasiones. Y entre éstas, la superior, por encima del amor, es la pasión por la gloria, que los hombres del Barroco sintieron de manera especial, hasta el punto de ser objeto de estudio y de explicación racional por los mecanicistas. Como las pasiones no se sacian satisfactoriamente, los hombres terminan sublimándolas, y el arte es un instrumento capital en esa evolución. Así, artistas como Bernini o Zurbarán pretendieron traducir plásticamente esa forma de vida superior.

En las artes plásticas el Barroco era también un arte que intentaba imitar al teatro por lo que tenía de fugaz, de efímero, de ilusorio; era un arte de espectáculo y ostentación. Arquitectos y escultores trataban de recomponer en la piedra, el mármol o el estuco, los decorados y los movimientos escénicos propios del arte dramático. Igualmente, los pintores barrocos producían efectos que tendían a restituir en los lienzos la ilusión escénica del relieve y de la profundidad. De ese modo, la preocupación por la decoración es superior a la de la construcción. Precisamente por ello, los artistas barrocos vuelcan toda su imaginación en los decorados teatrales, en los arcos de triunfo festivos, en la arquitectura efímera fúnebre. Su correspondencia en la literatura confirma el gusto de la época por los efectos espectaculares, por la plasmación de los movimientos más fugaces, como el vuelo de las vestiduras, por los momentos de extrema tensión mística, como los éxtasis.

El Barroco era un arte religioso y teatral. Y también constituía el reflejo de una sociedad determinada: la sociedad monárquica, señorial y rural. En aquella sociedad el poder de los soberanos absolutos se manifiesta en la suntuosidad, en el lujo, en la decoración y en la pompa de la vida cortesana, aristocrática y palaciega. Pero también se refleja en el mundo rural, pues el Barroco es un arte popular: la profusión de riqueza estimulaba la imaginación del pueblo que, además, busca a través del arte, y sobre todo del religioso, consuelo, intercesiones celestiales y esperanza.

Imágenes:
Baldaquino de San Pedro:
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Columnata, plaza de San pedro:
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Sam Carlos de las 4 Fuentes:
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Palacio Real de Madrid:
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Iglesia de San cArlos Borromeo:
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Iglesia de San Bartolome:
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Velazquez:
El aguador de Sevilla:
2bachArtImagT12 velazquez Aguador de sevilla
Autorretrato:
2bachArtImagT12 velazquez autorretrato

La Fragua de Vulcano:
2bachArtImagT12 velazquez La fragua de Vulcano
La familia de Felipe IV (Las Meninas):
2bachArtImagT12 velazquez Meninas
El principe Baltasar Carlos a caballo:
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Rococó:

El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI.

Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco.
Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Armoniza con la vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y se desentiende de cuestiones religiosas. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera al Rococó un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia.

Se difundió rápidamente por otros países europeos, sobre todo en Alemania y Austria y se seguirá desarrollando hasta la llegada del Neoclasicismo.

Defición del Arte Rococó

El término rococó proviene de la palabra francesa "rocaille" (piedra) y "coquille" (concha), elementos de gran importancia para la ornamentación de interiores.

Lo importante es la decoración, que es completamente libre y asimétrica. Muestra su predilección por las formas onduladas e irregulares y predominan los elementos naturales como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales.

Características del Rococó

En arquitectura, los edificios mantienen un trazado externo simple, sin embargo, en el interior la decoración se desborda. El rococó impone la acumulación de elementos decorativos basados en líneas ondulantes y en la asimetría. Alcanza mucha difusión el gusto chino, que había entrado en Europa con las piezas de porcelana, telas o lacas, y que decorará los salones occidentales con sus temas más representativos.

En pintura, los temas más abundantes son las fiestas galantes y campestres, las historias pastoriles, las aventuras amorosas y cortesanas. Las composiciones son sensuales, alegres y frescas, predominan los colores pasteles, suaves y claros. La mujer se convierte en el foco de inspiración, ya que es la figura bella y sensual.

El Arte Rococó en España

Arquitectura Rococó

El rococó en España se inicia durante el reinado de Felipe V (1700-1746), favorecido por el estilo churrigueresco, que había llevado al barroco al recargamiento ornamental. Su influjo fue limitado, ya que fueron muy pocos los contactos que España mantuvo con el rococó europeo y especialmente con Francia y Alemania.

El ejemplo más temprano de arquitectura rococó es la portada de la catedral de Valencia, realizada por el alemán Conrad Rudolf. Dividida en tres cuerpos y coronada con un frontón curvo, alterna el ritmo cóncavo en sus calles laterales con el ritmo convexo en la central.

La fachada del palacio del marqués de Dos Aguas, diseñada por Hipólito Rovira se compone de dos partes bien diferenciadas y separadas por el escudo del marqués. En la parte inferior, se describe la alegoría de los dos ríos valencianos, el Turia y el Júcar, y en la superior, aparece una hornacina que alberga una escultura de la Virgen con el Niño. Una movida decoración de inspiración vegetal recorre toda la fachada.
La catedral de Cádiz, proyectada en 1722 por Vicente Acero es la obra más representativa del rococó español. Acero sigue los esquemas renacentistas de la catedral de Granada de Diego de Siloé, por eso su interior se estructura en tres naves. La cabecera cuenta con una girola en torno a la capilla mayor, que es de planta circular y que se cubre con una cúpula sobre tambor.

La fachada, flanqueada por dos torres de planta octogonal, se organiza en tres calles. La central, que se remata con un frontón triangular, es convexa y las laterales son cóncavas.

Otro ejemplo, es la fachada de la catedral de Murcia, de Jaime Bort.
unto a estos, hay que destacar el empleo del estilo rococó en los proyectos decorativos de los interiores de los palacios de la Familia Real, como en el Salón Gasparini del Palacio Real de Madrid.

Pintura Rococó

En cuanto a la pintura, son escasos los artistas españoles cuyo estilo puede calificarse como propiamente rococó. Destacan Luis Meléndez y Luis Paret.

Luis Paret y Alcázar (1746-1799) pintó escenas galantes y cuadros costumbristas de carácter amable, con tonalidades brillantes de gran efecto decorativo que lo convierten en el representante más importante de la pintura rococó en española.
Entre sus pinturas destacan El baile de las máscaras, Las Parejas Reales o Fiesta en el Jardín Botánico. Para Carlos III también realizó una serie de vistas de puertos y marinas del Cantábrico.

Escultura Rococó

Respecto a la escultura, el estilo provoca en España la aparición de ciertos rasgos que se incorporan al vocabulario básico del Barroco, pero que no llegan a modificarlo. Entre ellos, una mayor dulzura e intimismo en la interpretación de los temas y un mayor aprecio por lo pintoresco y por los detalles más triviales.

Imágenes:
arterococo
Palacio Marques de dos aguas:
palaciomarquesdosaguas
Catedral de Murcia:
catedralmurcia
Alte National Galeri, Berlin:
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Propileos de Munich:
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Glipoteca:
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Historicismo:

El historicismo desarrollado en el siglo XIX concentraba todos sus esfuerzos en recuperar la arquitectura de tiempos pasados. Se trataba de imitar estilos arquitectónicos de otras épocas incorporándole algunas características culturales de ese siglo mientras que la arquitectura ecléctica se dedicaba a mezclar estilos para dar forma a algo nuevo. Podemos destacar diversas corrientes como las neobizantinas, neoárabes, neobarrocas... aunque la que más auge tuvo fue la neogótica practicada en la Islas Británicas que se basaba, como bien indica su nombre, en un nuevo gótico resucitado.

En Europa, desde los inicios del siglo XIX, se hace patente un fuerte deseo de rescatar el pasado medieval; en nuestro país se retrasa algunos años, siendo la literatura la encargada de preparar este paso con un amplio repertorio de obras (en su mayoría durante la década de los años 30), ya dentro del movimiento romántico. Las primeras manifestaciones arquitectónicas son de carácter efímero: arcos, galerías, quioscos... levantados para acontecimientos muy puntuales. El primer estilo que aparece es el gótico, pero con pocos años de diferencia surgió el otro camino de nuestro arte medieval: la arquitectura islámica, ya interpretada en el siglo XVIII a través de estructuras más frágiles, normalmente para exteriores, y ahora, en principio, en torno a la mitad de siglo, a base de decoraciones interiores pseudomusulmanas.
A medida que se fue profundizando en los estudios arqueológicos se descubrieron nuevas posibilidades estilísticas: neorrománico, neomudéjar, neobizantino, neoárabe, etcétera, pero el que se desarrolla con más fuerza alcanzando a todos los rincones fue sin duda el neogótico. Siempre, en todos ellos, el desarrollo ofrecía dos posibilidades: la recreación arqueológica, o sea, la repetición de fórmulas fieles a los ejemplos antiguos o también el uso de formas más libres, unas veces porque no mantenía el respeto al modelo original, otras por la utilización indiscriminada de fórmulas acopladas de manera anacrónica, lo que ocurría sobre todo al principio, a causa del desconocimiento histórico. Esta última opción formaría parte más bien del capítulo del eclecticismo.
El estudio del gótico posibilita otra vía muy minoritaria en España en la que, partiendo de una base histórica, se despoja de todo lo necesario para quedarse con la esencia, dando un estilo limpio y racional donde se prescinde de fórmulas decorativas. Fue Viollet-le-Duc su iniciador y en España está representado por las figuras de Juan Segundo de Lema y Juan de Madrazo. El primero levantó en Madrid el palacio Zabalburu, donde su principal atractivo reside en la textura de sus materiales, en ningún momento disfrazados y con un tratamiento racional de su ubicación, o en la misma combinación de estos materiales. En este mismo sentido Madrazo construyó, también en Madrid, el palacio del Conde de la Unión de Cuba.
Pero la línea habitual del neogótico es la que presenta la obra con un repertorio más o menos amplio de elementos ornamentales y con la visión a la que todos estamos acostumbrados: el arco ojival, los pináculos y torres de marcado carácter ascensional y, en general, una recopilación de piezas que iban desde las aplicaciones escultóricas a las más variadas muestras de pintura decorativa. Todo ello había sido recopilado años antes, especialmente en Francia, y discurría por los estudios de arquitectura o simplemente por las bibliotecas de los eruditos.

A este proceso debemos sumar un movimiento de gran importancia como es la renovación que experimentaron las diferentes iglesias cristianas. Dejando a un lado el caso de la ortodoxa, que siguió fiel a la arquitectura bizantina, la renovación religiosa comenzó por la iglesia anglicana que ahora recibe un notable empuje, apoyándose en el expansionismo británico. El caso de la Iglesia católica es de otra índole: presionada por un sentimiento racionalista que invadía a parte de sus propios fieles y violentada su cabeza por la reunificación italiana, inicia una campaña encaminada a fortalecer la figura papal (ese es uno de los pilares del Concilio Vaticano I) y a su vez a enriquecer su liturgia como forma de afrontar los ataques de un laicismo cada vez más fuerte.

En España hay que añadir el estímulo que significa la Restauración borbónica y el reconocimiento de la religión católica como la del Estado, después de la aconfesionalidad existente durante el Sexenio revolucionario. De este modo, se restaura el Concordato de 1851 y se pone en práctica el acuerdo de la conservación, restauración y edificación de templos a cargo del Estado.
Uno de los proyectos más significativos de este período es el de la Catedral de Madrid, Nuestra Señora de la Almudena, del marqués de Cubas. Obra basada en el gótico del siglo XIII, donde se entremezclan elementos y fórmulas francesas y españolas y de la que sólo se llegó a ejecutar la cripta.

Dentro del grupo de arquitectos historicistas está también Federico Aparici, que añade a su vertiente creadora la docente. Su obra más interesante es neorrománica, la basílica de Covadonga, diseñada siguiendo el modelo del románico final. Como Cubas, Aparici no se puede sustraer al recuerdo francés, fundiéndole con formas hispanas.
Para Cataluña, el neogótico representa la identificación con su estilo nacional. Los años del gótico figuran como los más prósperos del Principado, no siendo nunca superados. Por ello, en esa búsqueda por encontrar sus raíces el gótico fue el más usual, pero no faltaron otros ejemplos neorrománicos. La figura encargada de dar forma a este sentimiento general fue el arquitecto Elías Rogent. Fundó la Escuela Provincial de Arquitectura de Barcelona (1871), dirigiéndola durante quince años. Gracias a ello, Madrid dejaba de ostentar el monopolio de formación de los arquitectos, entroncándose con el sentir general y convirtiéndose en el difusor de las ideas historicistas en Cataluña. Su obra principal fue la Universidad Literaria de Barcelona, neorrománica. Rogent asume el historicismo partiendo de unos principios nacionales y, con un repertorio de formas propias, producto de sus investigaciones, lo que significa el abandono en parte de la vía arqueologista.

El neomudéjar es posiblemente el historicismo que mejor se identifica con lo genuinamente hispano. Frente a los "revivals" que podríamos clasificar como internacionales (románico, gótico, etcétera) el mudéjar es una producción exclusiva de nuestro país. En 1859, José Amador de los Ríos lo concreta y caracteriza en su discurso en la Academia "El estilo mudéjar en arquitectura". Su singularidad hace que en 1873 sea el modelo elegido para el Pabellón que iba a representar a España en la Exposición Universal de Viena de ese año. El proyecto fue realizado por Lorenzo Álvarez Capra, autor también de la iglesia de la Paloma (Madrid, 1896).

Sin embargo, más importante resulta la plaza de toros de esta misma capital (1874) que proyectara Emilio Rodríguez Ayuso. Con este edificio se logró desterrar el modelo romano hasta ahora utilizado. De este modo, Rodríguez Ayuso se convierte en el gran difusor del nuevo estilo. En las Escuelas Aguirre de Madrid (1884) presenta su repertorio de soluciones ornamentales y decorativas. El neomudéjar tiene dos principios inmutables sobre los que se desarrolla: el uso del ladrillo como material principal de la construcción y la utilización decorativa a base del juego de verdugadas en la pared con motivos de lazos, rombos, dientes de sierra, etcétera. Otros muchos arquitectos aportaron sus obras en este apartado, tales como Jareño, Cubas, Velasco, etcétera.
Cataluña también entra dentro del ámbito neomudéjar, pero con un sello propio que quizá se concrete en una mayor libertad en el uso del lenguaje lo que hace que se incluya con más propiedad dentro del eclecticismo. Así se comprueba en alguna de las primeras obras de Pere Falqués.

En cuanto al historicismo árabe, aparece de forma mucho más puntual en gabinetes, construcciones complementarias o residencias fuera del contexto cotidiano y por supuesto oficial, manteniendo siempre un sentido informal. Todo ello concebido como herencia de ese amor por lo exótico que caracteriza al romanticismo, aunque ya desde el siglo XVIII se había dejado sentir en la arquitectura europea como producto del pintoresquismo.

Imágenes:
Capricho de comillas:
2BacArtT14Imag gaudi caprichocomillas01
Casa Batló:
2BacArtT14Imag gaudi casabatllo01
Casa Milá:
2BacArtT14Imag gaudi casamila01
Templo de la sagrada familia:
[IMG]ttp://redul.wikispaces.com/space/showimage/2BacArtT14Imag-gaudi-sagradafamilia-nacimiento.jpg[/IMG]
Estación del metro de Klatplaz:
2BacArtT14Imag estacionmetrokarlsplatz01
Iglesia Am Steinhof:
2BacArtT14Imag kircheamsteinhof01
Caja postal de Viena:
2BacArtT14Imag postparkasse01

Arte Contemporáneo:

El arte del siglo XX se caracteriza por configurarse de múltiples corrientes que se denominan ismos. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre ellas. Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico.

Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del XIX. El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la pintura moderna. Es el año en que Manet pinta Almuerzo sobre la hierba, que se expuso en el Salón de los Rechazados. La obra poseía antecedentes del Renacimiento italiano en cuanto a temática, pero el modo de plantearlo causó escándalos.

El Impresionismo y luego el Postimpresionismo constituyen el punto de partida para las corrientes del siglo XX.

* Los grandes adelantos de la técnica, la Revolución Industrial y el progreso moldearon la mentalidad del hombre a principios del siglo XX.
* La primera y segunda guerra mundial, contribuyeron al cambio. Cada cual trajo sus nuevas tendencias.
* Los filósofos aportan teorías reveladoras. Algunas vanguardias no pueden entenderse sin las bases filosóficas que las sustentaron.

La modernidad que aportó el Modernismo a fines del siglo XIX no era lo suficientemente brusca. Más brusco fue el cambio de los dos primeros ismos del siglo XX, el Fauvismo y el Expresionismo.

Hay una gran necesidad de cambio que ha dado como resultado corrientes diversas e incluso contradictorias; como la tendencia conceptual y la realista.

Las corrientes fueron:
Fauvismo:

Es un movimiento contemporáneo al impresionismo (de 1910 a 1920). El color es el objetivo principal del cuadro, utilizan también la pasta desde el tubo sin necesidad de paleta, se inclinan por los colores vivos en formas de manchas planas. El color se independiza del objeto.

Los fauvistas eran un pequeño grupo de pintores que trabajaba en París a comienzos de siglo. Se les dio este nombre, que significa "animales salvajes", cuando expusieron en el Salón de 1905. El líder del grupo era Henri Matisse, y los demás miembros, entre ellos Derain, Vlaminck, Dufy y Braque, procedían de varios grupos distintos.
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Tenían en común el interés por un color brillante y puro. Matisse, convaleciente de una enfermedad, comenzó copiando grabados en color. A partir de entonces se dedicó exclusivamente a estudiar la pintura. Su primera obra, de buena factura, estaba influida por Cézanne, a quien admiraba mucho.

Cuando Matisse suspendió el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes, Gustave Moreau, un profesor y pintor de gran imaginación, lo acogió en su estudio. Allí el joven Matisse estudió las composiciones de Rafael, los maestros holandeses y Poussin, así como la decoración ondulante de Moreau, basada en el "arabesco", las líneas curvas y entrelazadas de follaje en el arte islámico.

Matisse se convirtió en un maestro de la línea curva. Podemos seguir su proceso en los firmes y sensitivos dibujos que ejecutó hasta la misma década de 1950. Sin embargo, lo que por encima de todo le gustaba era el color, y lo utilizaba para dar placer y no sólo para describir algo.

Matisse había experimentado varios estilos, pero en 1905, influido por la luz clara y el color brillante del paisaje del sur de Francia, encontró ya el suyo propio. Hoy en día nos sorprende que esta pintura fauvista fuese considerada salvaje. El color era brillante, pero la composición estaba muy organizada. Matisse utilizaba el color intenso porque era lo que mayor impacto producía, aunque el color no fuese siempre "correcto".

Cuando pensaba que con un color diferente lograría mejores resultados, lo utilizaba. Para sugerir el espacio, para indicar la luz y a menudo como simple decoración, recurría más al color que al claroscuro. Esta plena utilización del color está muy bien ilustrada en el retrato Madame Matisse con una franja verde.
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El retrato es muy intenso y presenta al mismo tiempo una gran calma, lo cual podría parecer una contradicción. La posición de la cabeza y de los hombros es en la pintura bastante convencional, pero no lo son el modelado ni la formación de los rasgos.

¿Por qué ha pintado una franja verde que desciende por el centro de la cara? Si miramos el cuadro con los ojos medio cerrados e intentamos suprimir la franja verde, el retrato parece incompleto. Parece como si todo el modelado de la cara, las partes hundidas y prominentes de la piel sobre los huesos se hubieran condensado dando esa franja verde que recorre el centro y que equilibra las dos mitades de la cara y los intensos ojos. Sin ella, los ojos oscuros y las cejas destacarían excesivamente. Esta franja une el cabello oscuro al escote verde, y "mantiene" la cara relacionada con el vestido y el cabello. Conecta el rostro con el fondo, con las pinceladas verde y rojo vivo que componen el fondo y que se repiten en el vestido. La oposición de estos dos colores crea una deslumbrante vibración que no permite profundidad alguna; todo está en la superficie.

En esta pintura de tema pasivo suceden muchas cosas, y el efecto se consigue por la calculada utilización del color. El resultado no se debe a una teoría de los colores, como la de Seurat y la de los impresionistas, sino más bien a una afirmación personal de las cualidades vivaces y vitalistas del color. Y esto crea un retrato inolvidable.

Hacia 1908 el fauvismo había alcanzado su punto más alto.

Jóvenes artistas, a quienes quedaba toda una vida de trabajo por delante, habían llevado este movimiento a su límite. Sin duda, Matisse estqbq consciente de la obra de los cubistas, y su propia colección de arte primitivo había sido uno de los factores que estimularon el interés de aquéllos por aquel arte; pero la exploración analítica de dichos artistas no se ajustaba a su temperamento, por lo que él continuó su propia trayectoria. Le impresionó enormemente la exposición islámica de Munich de 1910, y a continuación emprendió un viaje a Tánger. La combinación de orden y color del arte oriental ejercieron una gran atracción sobre él; y de nuevo se sintió entusiasmado por la luz intensa y clara del norte de África, como le había sucedido anteriormente en el sur de Francia.

Después, en la década de 1950 (cuando la artritis de sus manos le impedía pintar), hizo unos recortables en los que llevó a cabo su tendencia primera a la simplificación e intensificación, para sugerir las cualidades esenciales de un tema.

Recortaba el papel como un escultor talla directamente su obra. Mezclaba los colores, luego "dibujaba" sobre el papel coloreado utilizando las tijeras como un lápiz. El efecto era intenso e inmediato, a pesar de la simplicidad de medios.

Impresionismo:
Es un movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo. Por extensión, el término también se aplicó a un determinado estilo musical de principios del siglo XX.

El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos y con las encorsetadas fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. La Academia fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón parisino. Los impresionistas, en cambio, escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana.

Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos.

as figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.

Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra.

Los pintores académicos definían las formas mediante una gradación tonal, utilizando el negro y el marrón para las sombras. Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios —ciano, magenta y amarillo— y los complementarios —naranja, verde y violeta—.

Consiguieron ofrecer una ilusión de realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, que mezcladas por la retina del observador desde una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el contraste de un color primario (como el magenta) con su complementario (verde). De este modo, los impresionistas lograron una mayor brillantez en sus pinturas que la que se produce normalmente al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos.

Aunque los hallazgos del impresionismo francés resultaron decisivos para la pintura del siglo XX, los intentos por plasmar los efectos de la luz natural no eran nuevos. En el siglo XVII Jan Vermeer había utilizado fuertes contrastes de luces y sombras para bañar sus lienzos de luz natural. Diego Velázquez en el mismo siglo y Francisco de Goya a finales del siglo XVIII captaron la impresión lumínica mediante la eliminación de sombras secundarias y la introducción de zonas de luz en detrimento de la nitidez de los contornos. Su pincelada también preludió la de los impresionistas franceses.

Los precursores inmediatos del impresionismo fueron los ingleses John Constable y J.M.W. Turner. Cuando Monet y Pissarro vieron por primera vez sus obras en 1871 se sintieron conmovidos por la atmósfera y los efectos difusos de luz característicos de la pintura de Turner. Los pintores de la Escuela de Barbizon fueron también antecedentes del movimiento impresionista francés.

reinta años antes de la primera exposición impresionista, Camille Corot, miembro circunstancial de la escuela de Barbizon calificado en ocasiones como padre del impresionismo, interpretaba los fugaces cambios lumínicos en una serie de temas pintados a diferentes horas del día.

Eugène Louis Boudin, un pintor preimpresionista, que fue maestro de Monet, enseñó a sus discípulos a expresar un sentimiento de espontaneidad en sus obras, mientras que el realista Gustave Courbet alentó a los impresionistas a buscar su inspiración en la vida cotidiana.

Édouard Manet considerado el primer impresionista —aunque rechazaba este calificativo— mostró cómo se podían obtener sutiles representaciones de luz por la yuxtaposición de colores fuertes y contrastados. Su cuadro La merienda campestre (1863), expuesto en el Salón de los Rechazados (Salon des Refusés) organizado en oposición a las exposiciones oficiales en el Salón de la Academia, señaló el comienzo de una nueva era en el arte.

Los pintores impresionistas organizaron su primera exposición independiente en 1874. Los treinta participantes compartían su rechazo al academicismo imperante y su admiración por las atrevidas composiciones de Manet.

El término impresionista fue usado por primera vez por el crítico Leroy en la revista Charivari para denominar irónicamente un cuadro de Claude Monet titulado Impresión, amanecer (1872). El término fue adoptado oficialmente durante la tercera exposición impresionista en 1877.

Los impresionistas evolucionaron hacia distintos estilos individuales y compartieron como grupo sus experimentos sobre el color. Sólo Monet fue ortodoxo en la aplicación de la teoría impresionista.

El impresionismo ejerció una fuerte influencia durante décadas. Artistas que partieron del impresionismo idearon otras técnicas e iniciaron nuevos movimientos artísticos.

Los pintores franceses Georges Seurat y Paul Signac ejecutaron lienzos a base de pequeños puntos de color, aplicando una derivación científica de la teoría impresionista conocida como puntillismo o divisionismo. Los postimpresionistas Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin y Vincent van Gogh estuvieron muy influidos por la vivacidad del colorido impresionista. La obra de Cézanne anticipó el cubismo, mientras que la de Gauguin y Van Gogh representaron el comienzo del expresionismo.

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Expresionismo:
Es un movimiento artístico surgido en Alemania a principios del siglo XX, en concordancia con el fauvismo francés y plasma el deseo de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Recibió su nombre en 1911 con ocasión de la exposición de la Secesión berlinesa, en la que se expusieron los cuadros fauvistas de Matisse y sus compañeros franceses, además de algunas de las obras precubistas de Pablo Picasso.

En 1914 fueron también etiquetados como expresionistas el grupo de los pintores alemanes en Dresde y Berlín a partir de 1911 y Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), formado en 1912 en Múnich, alrededor de un almanaque, dirigido por Kandinsky y Marc.

El expresionismo se entiende como una acentuación o deformación de la realidad para conseguir expresar adecuadamente los valores que se pretende poner en evidencia, y se manifestó como una reacción parcial al impresionismo.

El Expresionismo es una corriente pictórica que nace como movimiento a principios del siglo XX (1905-1925), principalmente en Alemania, aunque también aparece en otros países europeos, ligado al fauvismo francés como arte expresivo y emocional que se opone diametralmente al impresionismo. Tras finalizar la Primera Guerra Mundial, a esta corriente pictórica le siguieron otras tendencias como el constructivismo, la nueva objetividad, el informalismo y, más tarde, los denominados nuevos salvajes y el fotorrealismo.

Los elementos más característicos de las obras de arte expresionistas son el color, el dinamismo y el sentimiento. Lo fundamental para los pintores de principios de siglo no era reflejar el mundo de manera realista y fiel —justo al contrario que los impresionistas— sino, sobre todo, romper las formas. El objetivo primordial de los expresionistas era transmitir sus emociones y sentimientos más profundos. De hecho, en cualquier reproducción en blanco y negro de un cuadro expresionista se intuye esa energía y esa emotividad que subyacen a todas sus obras. Esta corriente artística estuvo abanderada por conocidos pintores como August Macke, Paul Klee o Franz Marc, quienes pertenecieron a distintas agrupaciones como Die Brücke (El Puente) o Der Blaue Reiter (El jinete azul) —fundada por Kandinsky y Marc—, gracias a las cuales fue posible la transición del expresionismo hacia la abstracción. Kandinsky fue quien dio nombre al grupo. Sus motivos favoritos eran los caballos y su color predilecto era el azul.

El ámbito más adecuado para el desarrollo de las tendencias expresionistas es el de la cultura alemana, a causa de las características espirituales, y a veces místicas, del romanticismo alemán. Pero los dos grandes puntos de referencia para los expresionistas son Edvard Munich y James Ensor.

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Cubismo:
Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.

George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.

Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista.

Estas lecciones fueron asumidas por el cubismo que hará un replanteamiento de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla.

El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada.
Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

Etapas del Cubismo

Se distinguen diversas fases en el desarrollo del Cubismo.

Cubismo Analítico
caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.

Cubismo Sintético
Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.

Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.

Pintores Cubistas

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)

Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.

Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La fábrica de Horta de Ebro, y retrato de Ambosio Vollard.

En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Guitarra y en Naturaleza muerta introduce el collage.

A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de investigación e irá definiéndose su eclecticismo reelaborando experiencias anteriores con gran libertad, como el surrealismo y el expresionismo.
guernica El Guernica, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el bombardeo del 26 de Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica, responde a los modos intelectuales de los cubistas, a la simbología del surrealismo y a las deformaciones expresionistas.

El comienzo de la Primera Guerra Mundial fracciona el Cubismo, pero seguirá existiendo en experiencias como el purismo, la Sección Aurea o Sección de Oro y el constructivismo ruso.

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Última edición por Nanonino fecha: 19/01/09 a las 15:35 hs. Razón: Automerged Doublepost
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4 Re: Historia de arte de la prehistoria a hoy
Futurismo:
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva; la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que parece correr sobre una estela de metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia

En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.


Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. En su manifiesto hay un punto que dice:

Queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo y el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer.

La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.

Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.

Umberto Boccioni

Cultivó el puntillismo en algunas ocasiones, en otras empleó la línea curva, y más tarde, las rectas. En La ciudad se levanta su dinámica es curva, mientras que La fuerza de la calle o Dinamismo de un ciclista se organizan en disparatadas rectas, formalmente próximas al cubismo, pero diferenciadas en su aspiración a un movimiento frenético, casi desesperado.

En Estados de ánimo las líneas dinámicas se alternan con los espacios vacíos, que expresan el desánimo.

Finalmente se apartará del futurismo, de la velocidad y del dinamismo y se irá acercando al análisis de los volúmenes redondeados y más estáticos influido por Cézanne.

El movimiento futurista falleció con la Primera Guerra Mundial, sus miembros se fueron dispersaron en varias direcciones. El futurismo fue un paso más en la marcha del arte contemporáneo en su proceso de desintegración de la forma y el eslabón inmediato al dadaísmo y al surrealismo.

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Arte Naif:
Movimiento artístico que practica una tesitura estética y estilística sumamente sencilla. Se trata de un concepto equívoco en su dimensión social, dado que abarca tanto a los individuos ingenuos que realizan obras artísticas, como a los profesionales que manejan preconcebidamente las características propias de tales trabajos.

Con frecuencia, la palabra “naïf” se emplea de modo casi vacío de sentido, pues viene a implicar a la vez un nivel cultural determinado y un estilo específico, cuando sólo aparenta hacer referencia a una simplicidad de espíritu. Otras denominaciones que se usan al respecto son primitivos del siglo XX, ingenuismo y arte insito.

El vocablo “naïf”, que significa literalmente “ingenuo”, fue empleado por primera vez a comienzos del siglo XX para refererirse a la obra de H. Rousseau, el cual ha pasado a ser el modelo por antonomasia de dicha corriente. La valoración de los cuadros de H. Rousseau, que venía participando en el Salon des Independents desde 1885, ocurre entre los años 1904-1905, debido sobre todo a la vanguardia anti-tradicionalista y anti-burguesa que ve en ellos una actitud marginada a la vez que una tesitura cercana a la del arte de los pueblos primitivos, cuya apreciación reivindican. Es así que el concepto de “naïf” debe atribuirse a los críticos, literatos y plásticos del núcleo parisiense más progresivos en el primer decenio del siglo XX.

La institucionalización del ingenuismo se consolida por el hecho de que las galerías lo promocionan, los coleccionistas lo adquieren y las vanguardias dadaísta y surrealista lo aprecian.

El auto didactismo que practican la mayoría deriva del deseo de huir del academicismo para conseguir unas manifestaciones artísticas menos contaminadas por los convencionalismos.

Se le ha calificado también de ingenuo, pero esta ingenuidad no debe ser considerada de forma peyorativa, sino que está ligada a la búsqueda de la simplicidad para ofrecer así una visión del mundo sincera y exenta de artificios.

Su particular idea de concebir el arte, no como algo reflexivo y trascendente, sino como reflejo de la tranquilidad y despreocupación interior, ha hecho que sus obras muestren como rasgo principal el ambiente completamente sereno y despreocupado que otorgan a la existencia. Han sido valorados como las únicas formas artísticas íntegras, ajenas a cualquier tipo de contaminación externa.

Las principales características del arte naif son: contornos definidos con mucha precisión, falta de perspectiva, sensación volumétrica conseguida por medio de un extraordinario colorido, pintura detallista y minuciosa y gran potencia expresiva, aunque el dibujo puede ser incorrecto.

Henri Rousseau (1844-1910)

Es el principal representante de este grupo. En Rousseau parece reunirse todo el arte naif. Fue conocido con el sobrenombre de "el aduanero" debido a su trabajo en la oficina de Aduanas de París. Aunque esta era su ocupación oficial, su verdadera pasión era la pintura, a la que se volcará por completo una vez que en 1983 se jubila.

Sus cuadros chocaron con los convencionalismos de la sociedad burguesa del momento al recurrir a las técnicas realistas consideradas pasadas de moda. Pero esta peculiar manera de representar la realidad fue inmediatamente valorada por otros artistas como Kandinsky, Picasso o Braque.

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Dadaismo:
Durante la segunda decáda del siglo XX, un grupo de artistas se propuso acabar con los códigos y sistemas establecidos en las distintas disciplinas artisticas, en rechazo a una sociedad en decadencia incapaz de garantizar la paz y el respeto a la vida humana. Así nació el movimiento llamado dadaísmo.


En 1914, la incapacidad de los diplomáticos de las potencias del mundo para llegar a un acuerdo que evitara un nuevo conflicto en el planeta culmina en el inicio de la I Guerra Mundial.


Lo que parecía un nuevo conflicto bélico exclusivo de los Balcanes traspasó las fronteras de la región y se prolongó durante 4 años, arrojando entre otros resultados la muerte de no menos de 10 millones de seres humanos, según cálculos conservadores.

La Gran Guerra originó innumerables cuestionamientos a los valores que sustentaban la sociedad del momento. Frustrados ante el caos mundial y testigos de la discapacidad de los sistemas establecidos, un grupo de artistas decide acabar con las pautas, códigos, y con todo el marco conceptual del arte para entonces.


En 1916, en la ciudad de Zurich, capital de Suiza:

Nación que se mantuvo neutral durante el conflicto, los creadores declarados en rebeldía tomaron como centro de operaciones un café bohemio al que bautizaron con el nombre de Cabaret Voltaire.

Encabezan el movimiento el filósofo alemán Hugo Ball, poeta y escritor inclinado al Expresionismo; el poeta y ensayista rumano, luego nacionalizado francés, Tristan Tzara, cuyo nombre verdadero era Samy Rosenstock; el pintor, también rumano, Marcel Janco; y el pintor, escultor y poeta alsaciano Jean Arp.

Para nombrar la nueva corriente, sus protagonistas utilizaron la palabra Dadá, cuyo origen no está formalmente definido. Se reseña que Dadá, término francés que significa caballito de juguete, resultó tras la búsqueda al azar en un diccionario.

Una versión distinta indica que fueron los meseros del Café Terrasse, lugar de encuentro alterno al Cabaret Voltaire, quienes bautizaron el grupo como da-da; sí-sí en ruso y otras lenguas, lo único que entendían de las conversaciones entre los creadores inmigrantes.

Los artistas iniciaron una serie de espectáculos en el Cabaret Voltaire, llenos de agresividad, faltos de lógica y totalmente absurdos, con el objetivo claro de provocar rechazo en los espectadores. Se presentan declamaciones acompañadas de interpretaciones en piano.

A partir de la iniciativa de Tzara, se patrocinan actuaciones que enfrentaban al público de manera violenta y desagradable.

Mientras se leía poesía, se producían ruidos mediante absurdas y rebuscadas percusiones. Ante esto, en numerosas oportunidades los espectadores respondieron en una tónica tan o más cruel: lanzando objetos contundentes, pedazos de carne, incluyendo vísceras.

Los espectáculos del Cabaret Voltaire no tardaron en convertirse en lo más popular de la neutral Suiza.

Tras la publicación de la revista Dadá, la difusión de las ideas dadaístas se multiplicó rápidamente, extendiéndose principalmente a las ciudades de París y Berlín.

Convulsionada por la guerra de la que es partícipe, Alemania ve en su seno una revolución impulsada por el partido socialista Espartaquista, inspirada en la revolución bolchevique. En ese marco social un grupo de artistas se incorpora a las propuestas izquierdistas reinantes, y son ellos quienes abren paso a las ideas dadaístas.

Tras colaborar con el Cabaret Voltaire en Suiza, Richard Huelsenbeck regresa a la nación germana llevando a Berlín el nuevo y escéptico espíritu artístico, que apoyarían el poeta Raoul Asuman, el pintor Georg Grosz y los hermanos Wieland Herzfelde, fundador de la editorial de obras dadaístas llamada Malik, y Helmut Herzfelde, pionero del fotomontaje, cuya incorporación a las técnicas artísticas de difusión masiva debe considerarse como el más importante aporte al Dadaísmo.

Simultáneamente, en Nueva York otros subversivos creadores impulsaban una revolución contra el arte convencional, con el mismo espíritu nihilista y destructor.

Destacaron en la metrópoli norteamericana, refugiados como el pintor galo Francis Picabia y el también francés Marcel Duchamp, junto al fotógrafo local Man Ray, quienes apoyaron la vanguardia que en Harlem, Greenwich Village y Chinatown se concebía desde principios de siglo.

En 1917, encontrándose en Suiza, Picabia se reúne con Tzara. Meses después, ya en 1918, publican el Manifiesto Dadá, el documento más importante del movimiento.

Una vez finalizada la I Guerra Mundial, artistas de la vanguardia parisina consolidan la corriente. Comenzando la década de los 20, la vigencia del Dadá inicia su descenso. Numerosos artistas dadá terminaron comprometiéndose con una nueva corriente que irrumpe en el escenario de las artes: el Surrealismo. El nuevo movimiento es formalizado en 1924 por el escritor francés André Breton que publica este año el Manifiesto Surrealista.

El Dadaísmo amparó la actuación interdisciplinaria por parte del artista, como el camino para alcanzar una verdadera renovación del lenguaje creativo, por ello, los creadores constantemente experimentaron en campos ajenos a sus originales áreas de trabajo, con el fin de generar un continuo intercambio y fusión de técnicas.

Los dadá recurrieron incesantemente a métodos ilógicos, absurdos e incomprensibles en su búsqueda de abofetear al público para incitar una reflexión y reconsideración de las reglas y normas establecidas.

El carácter escéptico e incrédulo de los dadaístas los llevó a invalidar toda autoridad crítica o académica, calificando como obra artística toda expresión del ser humano.

En el caso de la pintura, los representantes del movimiento despreciaron formas y técnicas tradicionales, rechazando principalmente, por inercia, el fauvismo, el cubismo, el expresionismo y demás corrientes del momento. Predominaban imágenes incomprensibles, aparatos de apariencia mecánica de función incierta; máquinas de la nada.

A su vez, las obras eran nombradas con títulos totalmente divorciados de la temática. Junto a la pintura, fueron popularizados los collages, compuestos por diversos materiales, en su mayoría desechos, y textos construidos a partir de recortes de periódicos.

La revuelta del Dadaísmo en la escultura fue tal vez la de mayor impacto entre las sucedidas en las disciplinas artísticas. Los dadá eliminaron en su totalidad los valores estéticos conservados por las academias a lo largo de siglos, y se concentraron expresamente en la experimentación, improvisación y el desorden.

Productos del quehacer diario fueron exaltados a la categoría de obra de arte, siendo expuestos como tal, como es el caso de los ready-mades del francés Marchel Duchamp. A su vez, son construidas con elementos grotescos ridículas maquinarias que asemejan las representadas en la pintura.

Las obras de Duchamp resultaron entra las más emblemáticas del movimiento. Las más conocidas: Bicycle Wheel (Rueda de bicicleta) que muestra una rueda de bicicleta en su horquilla correspondiente, apostada en una banqueta de madera; y Fontaine (Fuente), compuesta por un urinario de losa colocado al revés.

Como disciplinas alternas, fueron fundamentales para el movimiento dadá el cine abstracto, encabezado el director alemán Hans Richter, y la fotografía experimental del estadounidense Man Ray y otros artistas admiradores de sus métodos.

El norteamericano desarrollo la técnica denominada Rayograma, que consistía en imprimir la película fotográfica sin hacer uso de la cámara, colocando un objeto cerca de un film de alta sensibilidad y enfrentando estos a una fuente de luz.

Además de su trabajo fotográfico, Man Ray ejerció como pintor del movimiento, y también creó una serie de esculturas que llamó Objetos de mi afecto, en la que destaca Le Cadeau (El Regalo) que consistía en una plancha con clavos en su base, y Puériculture II (Puericultura II), que mostraba una base cilíndrica de bronce de donde salía una mano verde.

El Dadaísmo, sus ideas y obras, recrearon un ambiente de vanguardia que resultó en otros importantes movimientos, como el Surrealismo y el Pop Art.

Sin duda, los dadá consiguieron hacerse escuchar, haciéndose un puesto en el arte contemporáneo, y alcanzando en cierto modo su principal objetivo: la revolución de los cánones y conceptos de la sociedad en la que se desenvolvían.

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Surrealismo:
El surrealismo es conocido como el movimiento de lo irracional y lo inconsciente en el arte de las vanguardias. El órgano portavoz del movimiento fue la revista Litterature dirigida por un grupo de poetas (Bretón, Soupault, Aragón y Eluard) fundada en 1919. Estos poetas adoptaron la palabra surrealismo para definir un método de escritura simultánea con el que estaban experimentando:

...Surrealismo: Puro automatismo psíquico, por medio del cual se intenta expresar, verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el proceso real del pensamiento. El dictado del pensamiento, libre de cualquier control de la razón, independiente de preocupaciones morales o estéticas...

Tal fue la definición del término dada por los propios Bretón y Soupault en el primer Manifiesto Surrealista fechado en 1924. Surgió por tanto como movimiento literario en el que pintura y escultura eran concebidas como consecuencias plásticas de la poesía.

De entre ellos, Bretón, que era también psiquiatra, había estudiado las teorías de Freud sobre el inconsciente, que le llevaron a elaborar la poética surrealista basada en el inconsciente como lugar generador continuo de imágenes que se podían sacar a la esfera del arte por medio de un ejercicio mental en el que la conciencia no intervenga y cuyo proceso de transcripción debería ser automático. Fruto de esta época es Los Campos Magnéticos que publicó en 1921. Bretón publicó en 1928 El surrealismo y la pintura donde definió la estética surrealista; para Bretón, el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiviza la realidad sino que forma un todo con ella; el arte, en esa esfera, por tanto no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Se concede también una gran importancia al sueño, donde las relaciones e imágenes inconexas se hacen más sólidas cuanto más ilógicas.

A partir de 1925 aparecen actitudes políticas y sociales dentro del surrealismo, provocadas por el estallido de la guerra de Marruecos; se producen entonces los primeros contactos con los comunistas que culminarían en 1925 con la adhesión al Partido Comunista por parte de Bretón.

Entre 1925 y 1930 aparece un nuevo periódico titulado El Surrealismo al servicio de la Revolución en cuyo primer número Aragón, Buñuel, Dalí, Elouard, Max Ernst, Yves Tanguy y Triztan Tzara, entre otros, se declaran partidarios de Bretón. Por su parte Arp y Miró, aunque no compartían la decisión política tomada por Bretón, continuaban participando con interés en la exposiciones surrealistas. Poco después se incorporaron Magritte (1930), Masson (1931), Giacometti y Brauner en 1933 y también Matta (que conoce a Bretón en 1937 por mediación de Dalí) y Lam; el movimiento se hizo internacional apareciendo grupos surrealistas en los Estados Unidos, Dinamarca, Londres, Checoslovaquia y Japón. Las disputas continuaron a través de los años, entre aquellos surrealistas que no veían por qué habían de ser comunistas y concebir el surrealismo como un movimiento puramente artístico y los más adeptos a Bretón.

En 1929 Bretón publica el Segundo Manifiesto Surrealista en el que condenó entre otros intelectuales a los artistas Masson y Picabia; en 1936 expulsó a Dalí por sus tendencias fascistas y a Paul Elouard. En 1938 Bretón firma en México junto con León Trotski y Diego Rivera el Manifiesto por una Arte Revolucionario Independiente.

El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía ssí como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage al asamblaje de objetos incongruentes como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural pintado en París en 1926.

Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.

Masson adoptó enseguida las técnicas del automatismo, hacia 1923-1924, poco después de conocer a Bretón. Hacia 1929 las abandonó para volver a un estilo cubista. Por su parte Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Bretón, "...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo..."; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en un sola configuración. Oscar Domínguez inventó la decalcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen).

Miró fue para Bretón el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro. Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles (El Campo labrado), las obras donde el automatismo es predominante (Nacimiento del mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas (Personaje lanzando una piedra). Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.

Magritte (algunos de sus cuadros se encuentran en la tabla al fondo de esta página) dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Delvaux carga a sus obras de un espeso erotismo basado en su carácter de extrañamiento en los espacios de De Chirico.

El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Bretón declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de "...surrealista dentro del cubismo..."

Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore.

En 1938 tuvo lugar en París la Exposición Internacional del Surrealismo que marcó el apogeo de este movimiento antes de la guerra. Participaron entre otros, Marcel Duchamp, Arp, Dalí, Ernst, Masson, Man Ray, Dominguez y Meret Oppenheim. La exposición ofreció al público sobre todo una excelente muestra de lo que el surrealismo había producido en la fabricación de objetos.

Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas se dispersan, algunos de ellos (Bretón, Ernst, Masson) abandonan París y se trasladan a los Estados Unidos donde siembran el germen para los futuros movimientos americanos de posguerra (expresionismo abstracto y Arte Pop).

Imágenes:
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Fuentes:
www.historiadelartemgm.com.ar
www.pedrocolmenero.googlepages.com
www.wikipedia.org
www.artespaña.com
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