Pablo Picasso

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El pintor español, escultor y artista gráfico Pablo Picasso (1881-1973) fue uno de los artistas más prodigiosos y revolucionarios en la historia de la pintura occidental. Como la figura central en el desarrollo de cubismo, estableció la base para el arte abstracto.

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Pablo Picasso nació Pablo Blasco el 25 de octubre de 1881, en Málaga, España, donde estaba su padre, José Ruiz Blasco, un profesor en la escuela de Artes y oficios. Madre de Pablo era Maria Picasso y el artista utiliza su apellido de alrededor de 1901 en. En 1891 la familia se trasladó a La Coruña, donde, a la edad de 14, Picasso comenzó a estudiar en la escuela de Bellas Artes. Bajo la instrucción académica de su padre, él desarrolló su talento artístico a un ritmo extraordinario.
Cuando la familia se trasladó a Barcelona en 1896, Picasso ganó fácilmente la entrada a la escuela de Bellas Artes. Un año más tarde ingresó como estudiante avanzado en la Real Academia de San Fernando, en Madrid; demostró su notable capacidad completando en un día un examen de admisión para que permitieron un mes entero.

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Pero Picasso encontró la atmósfera en la asfixia de la Academia, y pronto regresó a Barcelona, donde comenzó a estudiar el arte histórico y contemporáneo por su cuenta. En aquel momento el Barcelona fue el más importante centro cultural en España, y Picasso rápidamente unió al grupo de poetas, pintores y escritores que se dieron cita en el famoso café Quatre Gats.

 

En 1900 Picasso hizo su primera visita a París, durante tres meses. En 1901 realizó un segundo viaje a París, y Ambroise Vollard le dio su primera exposición individual. Aunque el espectáculo no era financieramente exitoso, despertar el interés del escritor Max Jacob, que posteriormente se convirtió en uno de los más cercanos amigos y partidarios de Picasso. Para los próximos tres años Picasso me alojé alternativamente en París y Barcelona.
Primeros trabajos
A principios del siglo, París fue el centro del mundo del arte internacional. En la pintura habían generado a grandes maestros como Georges Seurat, de Claude Monet, de Paul Cézanne, de Vincent Van Gogh y de Henri de Toulouse-Lautrec. Cada uno de estos artistas practica estilos avanzados, radicales. A pesar de evidentes diferencias estilísticas, su denominador común pone en prueba los límites de la representación tradicional. Mientras que sus obras conservan ciertos vínculos con el mundo visible, exhibieron una decidida tendencia hacia la llanura y la abstracción. En efecto, implicó que pintura no necesita se basa en los valores de ilusionismo del renacimiento.
Picasso emergieron en esta complicada e incierta situación artística en 1904 cuando instaló un estudio permanente en un antiguo edificio llamado el “Bateau Lavoir”. Allí produjo algunas de sus obras más revolucionarios, y el estudio pronto se convirtió en un lugar de encuentro para artistas de vanguardia, escritores y patronos de la ciudad. Este grupo incluía el pintor Juan Gris, el escritor Guillaume Apollinaire y los coleccionistas estadounidenses Leo y Gertrude Stein.

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Primeros trabajos de Picasso revela un patrón creativo que persistió a lo largo de su larga carrera. Entre 1900 y 1906 trabajó a través de casi todos los principales estilos de pintura contemporánea, del impresionismo al Art Nouveau. De esta manera, su obra cambia con rapidez sin precedentes, revelando una gama de sentimientos que parece estar más allá de los límites de un ser humano. En sí mismo este logro fue una marca del genio de Picasso.
El Moulin de la Galette (1900), la primera pintura Picasso ejecutado en París, presenta una escena de la sociedad urbana de café. Con sus colores acres y figuras angulosos, la obra exuda un aura siniestra, molesta. La crudeza de su sensibilidad, aunque no su estilo superficial, es característica de muchas de sus obras más tempranas.
Períodos azules y rosas
Los años entre 1901 y 1904 eran conocidos como período azul de Picasso, durante el cual casi todos sus trabajos fueron ejecutados en sombríos tonos azules y contienen figuras magras, abatidas e introspectivas. El tono dominante de los cuadros es una depresión; su color es un símbolo de dificultades personales del artista durante los primeros años del siglo–años cuando en ocasiones se quemó sus propios dibujos para mantener caliente–y también el sufrimiento que presenció en su sociedad. Dos ejemplos destacados de este período son el viejo con guitarra (1903) y la vida (1903).
En la segunda mitad de 1904 estilo de Picasso expone una nueva dirección. Durante un año trabajó en una serie de cuadros con arlequines, acróbatas y otros artistas de circo. El ejemplo más célebre es la familia de saltimbanquis (1905). Sensación, así como de la materia, ha cambiado aquí. La depresión melancólico de la época azul ha dado paso a una melancolía tranquila y unoppressive, y el color es más natural, delicado y tierno en su gama, con un predominio de tonos rojizos y rosa. Así, este período fue llamado su periodo rosa.
En términos de espacio, la obra de Picasso entre 1900 y 1905 era generalmente plana, poniendo de relieve el carácter bidimensional de la superficie de la pintura. En 1905, sin embargo, se interesó cada vez más en volumen ilustrado. Este interés parece haber sido estimulado por las últimas pinturas de Cézanne, diez de los cuales fueron demostrados en el salón de otoño de 1905. En niño llevando Picasso un caballo (1905) y mujer con panes (1906), las figuras se modelan vigorosamente, dando una impresión fuerte de su peso y tridimensionalidad. El mismo interés domina el famoso retrato de Gertrude Stein (1906), particularmente en el enorme cuerpo de la figura. Pero la cara de la modelo revela todavía otro nuevo interés: su máscara-como abstracción se inspiró en la escultura Ibérica, una exposición que Picasso había visto en el Louvre en la primavera de 1906. Esta influencia alcanzó su máxima expresión, un año más tarde en uno de los cuadros más revolucionarios de toda carrera de Picasso, las señoritas de Aviñón (1907).
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Picasso y el cubismo
Las señoritas de Aviñón se mira generalmente como la primera pintura de cubista. Bajo la influencia de Cézanne, escultura Ibérica, y la escultura Africana (que Picasso por primera vez en París en 1907) el artista lanzó un estilo pictórico más radical que todo lo que había producido hasta esa fecha. Las figuras humanas y su espacio circundante se reducen a una serie de planos amplios, intersección que alinearse con la superficie de la imagen y supone una visión múltiple, disecada del mundo visible. Las caras de las figuras se ven simultáneamente frontales y posiciones de perfil y sus cuerpos además se ven obligados a someterse a Picasso nuevo y radicalmente abstracto lenguaje pictórico.
Paradójicamente, las señoritas de Aviñón no se exhibió en público hasta 1937. Muy posiblemente el cuadro era tan problemático para Picasso, como lo fue para su círculo de amigos y compañeros artistas, que fueron sorprendidos cuando se ve en su estudio del “Bateau Lavoir”. Incluso Georges Braque, que por 1908 había llegado a ser el compañero más cercano de Picasso en la empresa cubista, al principio dijo que “para pintar de tal manera era tan mala como el consumo de gasolina en la esperanza de escupir fuego.” Sin embargo, Picasso había perseguido implacablemente las implicaciones de su propia invención revolucionaria. Entre 1907 y 1911 continuó diseccionar el mundo visible en cada vez más pequeñas facetas de monocromáticas planos del espacio. De esta manera, sus obras se convirtieron cada vez más abstractas; es decir, representación desapareció gradualmente desde el medio de la pintura, que por consiguiente se convirtió en un fin en sí mismo–por primera vez en la historia del arte occidental.
La evolución de este proceso es evidente en toda la obra de Picasso entre 1907 y 1911. Algunos de los ejemplos más destacados de la pictóricos del desarrollo son Frutero (1909), Retrato de Ambroise Vollard (1910) y Ma Jolie (también conocida como la mujer con una guitarra, 1911-1912).
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Collages cubistas
Aproximadamente 1911 Picasso y Braque comenzaron a introducir cartas y recortes de periódicos en sus pinturas cubistas, así dando origen a un medio completamente nuevo, el cubista collage. Picasso de primera, y probablemente su más célebre, collage es naturaleza muerta con silla de caña (1911-1912). La composición oval combina un análisis cubista de un limón y una copa de vino, las cartas del mundo de la literatura y un pedazo de hule que imita una sección de azotes de la silla; Finalmente, se enmarca con un pedazo de cuerda real. Como Alfred Barr escribió (1946): “aquí, en una sola imagen, Picasso malabares realidad y abstracción en dos medios de comunicación y en cuatro diferentes niveles o proporciones. Si nos paramos a pensar que es el más ‘real’ nos encontramos pasando de estética a la especulación metafísica. Porque “aquí lo que parece más real es más falso y lo que parece alejada de la realidad cotidiana es quizás el más real ya que es menos una imitación.”
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Fase cubista sintético
Después de sus experimentos en el nuevo medio de collage, Picasso volvió más intensamente a la pintura. Su obra entre 1912 y 1921 se mira generalmente como la fase sintética del desarrollo cubista. La obra maestra de este estilo es los tres músicos (1921). En esta pintura Picasso utiliza los planos planos de su anterior estilo para reconstruir una impresión del mundo visible. Los planos se habían convertido en el más amplio y más simplificada y explotaron color en mucho mayor medida que hizo el trabajo de 1907-1911. En su riqueza de sentimiento y equilibrio de elementos formales, los tres músicos representa una expresión clásica del cubismo.
Logros adicionales
La invención del cubismo representa el logro más importante de Picasso en la historia del arte del siglo XX. Sin embargo, sus actividades como artista no se limitan a esto solo. Tan pronto como la primera década del siglo, él mismo participó con escultura y grabado, dos medios que siguió a la práctica a lo largo de su larga carrera y que hizo muchas contribuciones importantes. Además, periódicamente trabajó en cerámica y en el ambiente del teatro: en 1917 diseñó decorados para el ballet de Eric Satie y Jean Cocteau desfile; en 1920 bosquejó un interior de teatro para Pulcinella de Igor Stravinsky; y en 1924 diseñó una cortina para el desempeño de Le Train Bleu por Jean Cocteau y Darius Milhaud. En Resumen, la gama de sus actividades superó de cualquier artista que trabajó en el período moderno.
En pintura, incluso el desarrollo del cubismo no definir el genio de Picasso. Acerca de 1915 y otra vez a principios de 1920, se alejó de abstracción y producido dibujos y pinturas en un idioma clásico realista y serenamente hermoso. Uno de los más famosos de estos trabajos es la mujer de blanco (1923). Pintado de apenas dos años después de los tres músicos, atestigua la elegancia tranquila y discreta de esta obra maestra a la facilidad con la que Picasso podría expresarse en lenguajes pictóricos que a primera vista parecen ser mutuamente excluyentes.
Por finales de los años veinte y comienzos de la década de 1930 surrealismo había en muchas maneras eclipsado cubismo como el estilo de vanguardia de la pintura europea. Lanzado por André Breton en París en 1924, el movimiento no era para que Picasso fue siempre un colaborador “oficial” en términos de exposiciones colectivas o la firma de manifiestos. Pero su labor durante estos años revela muchas actitudes en simpatía con la sensibilidad surrealista. Por ejemplo, en su famosa muchacha ante un espejo (1932), empleó los colores planos de cubismo sintético para explorar la relación entre la imagen y la imagen de una joven en ella misma cuanto antes un espejo convencional. Como las configuraciones de cambian entre la figura y la imagen del espejo, revelan la complejidad de las energías emocionales y psicológicas que predominan en el lado más oscuro de la experiencia humana.
Guernica
Otra de las pinturas más célebres de Picasso de los años treinta es Guernica (1937). Barr describió la situación dentro de la cual fue concebida: “el 28 de abril de 1937, el pueblo vasco de Guernica se informó destruida por bombardeos de aviones volando por el General Franco de alemán. Picasso, ya un activo partidario de la República Española, entró en acción casi de inmediato. Encargado en enero a pintar un mural para el edificio del gobierno español en la Feria del mundo de París; “pero él no comenzó a trabajar hasta el 1 de mayo, apenas dos días después de la noticia de la catástrofe”. Sentimientos profundos del artista sobre la obra y sobre la masacre que inspiró, se reflejaban en el hecho de que terminó la obra, que es más de 25 pies de ancho y 11 metros de altura, dentro de seis o siete semanas.
El Guernica es un extraordinario monumento dentro de la historia del arte moderno. Realizada totalmente en negro, blanco y gris, proyecta una imagen de dolor, sufrimiento, y brutalidad que tiene pocos paralelos entre avanzado pinturas del siglo XX. Ningún artista excepto Picasso pudo aplicar convincentemente el lenguaje pictórico del cubismo a un tema que surge directamente de la conciencia social y política. Que tan abiertamente podía disputarle a la tendencia abstraccionista comenzó personalmente es otra marca de su singularidad.
Después de la segunda guerra mundial Picasso se estableció como uno de los viejos maestros del arte moderno. Pero su trabajo nunca se detuvo. En la década de 1950 y 1960 dedicó sus energías a otros viejos maestros, producir pinturas basadas en las obras maestras de Nicolas Poussin y Diego Velázquez. Para muchos críticos e historiadores estos trabajos recientes no son tan ambiciosos como Picasso de anterior producciones.
Política de Picasso
Picasso también salió públicamente después de la guerra como un comunista. Cuando le preguntaron por qué él era comunista en 1947, afirmó que “cuando yo era un niño en España, yo era muy pobre y consciente de cómo los pobres tuvieron que vivir. Aprendí que los comunistas eran para la gente pobre. Eso fue suficiente para saber. Por lo que hice para los comunistas”.
A veces la causa comunista no fue tan entusiasta sobre Picasso como Picasso era acerca de ser un comunista. Pintó un retrato de 1953 de Joseph Stalin, el entonces recientemente fallecido líder soviético, provocó un clamor en el liderazgo del partido. El gobierno soviético desterró sus obras de su nación después de tenerlos encerrados en el sótano del Museo del Hermitage en San Petersburgo. Picasso apareció en este divertido y continuó inafectado.
Aunque Picasso había sido exiliado de su España natal desde la victoria de 1939 del Generalísimo Francisco Franco, dio 800 a 900 de sus obras más tempranas a la ciudad y la gente de Barcelona. Por su parte, sentimientos de Franco sobre Picasso fueron correspondidos. En 1963, amigo de Picasso, que Jaime Sabartés había dado 400 de su Picasso trabaja para Barcelona. Para mostrar estas obras, el Palacio Aguilar fue retitulado el Museo Picasso y la obra se traslada adentro. Pero debido a la aversión de Franco para Picasso, nombre de Picasso nunca apareció en el Museo.
Picasso fue casado dos veces, primero a la bailarina Olga Khoklova y luego a Jacqueline Roque. Tuvo cuatro hijos, uno de su matrimonio con Khoklova y tres por amantes. Picasso mantuvo ocupado toda su vida y estaba planeando una exhibición de 201 de sus obras en el Festival de Artes de Avignon en Francia cuando murió.
Picasso murió en su villa de 35 habitaciones colina de Notre Dame de Vie, en Mougins, Francia el 08 de abril de 1973. Él fue recordado como un artista que, a lo largo de su vida, pasó impredecible de un modo pictórico a otro. Expone un genio notable para escultura, gráfica y cerámica, así como la pintura. La gama enorme de su logro, sin dejar de mencionar su calidad y su influencia, lo hizo uno de los artistas más célebres de la época moderna.
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